TZADIKOLOGY

NORMAN YAMADA - Being and time

2012-01-28T06:32:00.000-08:00

Seul et unique disque de Norman Yamada, compositeur trés discret venant de New York, et qui n'a plus donner signe de vie depuis cet opus datant de 1998 (il avait cependant sortis cinq disques auparavant, dont un sur Avant). Pochette arty, pour un disque hautement expérimental. Au programme : une exploration sonique du rock décortiqué, de l'ambiant et de la noise, dans un feeling reflétant le "malaise post-moderne". Cela parait abstrait au premier abord, mais c'est le vérité, "being and time" traduit bien un malaise relativement citadin et oppressant. Un joli parterre de musiciens vient prêter main forte à Yamada : Marc Ribot à la guitare, Jim Pugliese aux percus, Christine Bard à la batterie, Tim Smith à la clarinette, parmis beaucoup d'autre. Toujours organisé de manière orchestrale, les compositions oscille entre coup de semonce, ambiance tendu et toujours cette contre impression d'improvisation sauvage. Un disque parfaitement en phase avec la composer serie et une chapitre quasi "classique" du label new yorkais...

BERANGERE MAXIMIN - Tant que les heures passent

2011-11-11T05:46:00.000-08:00

BERANGERE MAXIMIN a passé son enfance à l'île de la Réunion avant de partir pour la métropole à l'âge de seize ans. Elle a chanté dans divers groupes rock et world tout en suivant les cours de la classe électroacoustique de Denis Dufour au Conservatoire de Perpignan Elle réside aujourd'hui à Paris. L'utilisation de sonorités très hétérogènes, sans complexes ni principes dogmatiques, au sein d'une écriture serrée mais jouissive, les plans contrastés et les nuances employées, font de chacune de ses œuvres, une expérience à vivre réservée aux amateurs de sensations musicales fortes.

Les artistes français sont récurrent sur la composer serie, il est guére etonnant de retrouver la jeune Bérangére dans les rangs de Tzadik. "Tant que les heures passent", manifeste incroyable dans les contrées electro-acoustiques et bidouillages expérimentaux en tous genre. Une musique difficile à décrire, mais qu'on qualifiera, en faisant fi de la branlette journalistique de la plupart des médias et qui me fatigue parfois, de "trippée". C'est d'ailleurs particuliérement convaincant sur "ce corps vil", pièce d'un quart d'heure ou la voix de la compositrice nous transporte dans un tourbillon de pensées abstraites. Les autres pièces instrumentales sont bonnes, faisant preuve d'une précision et d'une creativité interessante en matière d'assemblage de sonorités expérimentales. Une premier chapitre intéréssant pour la composer serie.

CAINE/FELDMAN/COHEN/BARON - Secrets

2011-11-11T05:12:00.000-08:00

Premier CD d'un quatuor extraordinaire nous délivrant les extraits du répertoire des dynasties hassidiques de Lubavitch, Satmar, Bobov et Modzitz. Autant de mélodies merveilleuses et débordantes d’amour divin (lesquelles trahissaient, pour de nombreux juifs de l'Europe de l'Est au XVIIIIe siècle, le signe d’un retour massif et unanime à la foi à travers l'intensité joyeuse des chants) et que se sont transmises par voie orale de nombreuses générations.

Petite présentation furtive, pour une oeuvre qui se présente comme un plaisir personnel de John Zorn dans le catalogue de son label. Quatre musiciens issus de son cercle trés proche, evidemment talentueux, ayant une légitimité indefectible au sein de la downtown scene. Il s'agit de les faire bosser un peu les gaillards. Et vous vous en doutez, c'est une interprétation sans faille auquel on assiste, 9 titres impeccables, hommage sincére aux racines musicales juives. Alors, ce disque a t'il un défaut ? Peut être oui, par son absence totale d'originalité et de prise de risque artistique. Si Tzadik sortait uniquement ce type de disque, il fonctionnerait en circuit fermé, et ne tarderez pas à devenir redondant. Mais ce n'est pas le cas, on appreciera donc à sa juste valeur ce chapitre "classique" de la radical jewish culture...

MARTY EHRLICH - Sojourn

2011-11-07T06:59:00.000-08:00

Sortis 11 ans avant son successeur "Fables" (voir cette même section), "Sojourn" est un disque important dans la construction de l'identité de la radical jewish culture, puisque ce sont des références qui date du début du label. Peu de choses en commun entre les deux disques cependant, car la formation est radicalement différente : Marty Ehrlich au sax/clarinette s'adjoint les services de Mark Hellias à la basse, Erik Friedlander au violon et de Marc Ribot à la guitare, rien que ça. L'approche du disque est beaucoup plus sombre, des pointes klezmer s'entremêle avec des disgressions jazzy et des relents de nigun. 8 titres assez longs, correctement interprétés, avec notamment une reprise étonnante de Bob Dylan. J'ai cependant préféré le second disque à ce "sojourn" ou il y a moins de charme et de subtilité...

JON GIBSON - Criss X cross

2011-11-07T06:03:00.000-08:00

Jon Gibson, un des premiers musiciens de la génération des minimalistes, un des seuls qui a travaillé avec les cadors du genre, Young, Glass, Reich et Young. Peu prolifique sur disque, Tzadik déterre un enregistrement live capté le 26 novembre 1979 Chapelle de la sorbonne à Paris lors du festival d'automne. Un enregistrement dont le compositeur a peu de souvenirs au niveau des crédits, mais on saluera l'initiative des techniciens français zélés qui se sont cassé la tête à enregistrer cette prestation unique. Une prestation solo hypnotique incroyable, les personnes de l'assistance ont du se regarder bizarrement ce soir la. Que ce soit à la flûte ou au saxophone soprano, la vision de Jon Gibson se base sur une modulation mathématique minimaliste, elle même calqué sur une forme de répétition tournante. La pochette du disque, déssiné par Gibson lui même, montre bien cet état d'esprit de combinaisons numérologique tournante. Un disque majeur dans le style, qu'on rapprochera evidemment des compositeurs cités plus haut, "Criss X cross" est une belle oeuvre circulaire et une prestation instrumentale admirable...

GIUSTINO DI GREGORIO - Sprut

2011-11-07T05:19:00.000-08:00

Un disque que je découvre avec 12 ans de retard, mais le catalogue Tzadik est immense, alors on passe un peu à coté parfois. Giustino di Gregorio, compositeur néo-primitif italien, à priori auteur d'un seul et unique disque, ce "sprut" sortis en 1999 sur la composer serie. Un disque ENORME ! Mais bien sur, vous vous en doutez, un disque egalemment indescriptible, comme tous bon Tzadik digne de ce nom. Pour faire simple, Giustino ne joue pas d'instruments. Il est par contre captiver par la déconstruction et la reconstruction de morceaux. Place donc ici à 17 plages sonores faites de collage de samples issus de centaine de groupes existant (le listing est à l'intérieur). On peut certes se méfier de ce procédé, à mi chemin entre le plagiat et la schizophrénie latente, mais dans le cas de cet opus, on touche au génie, indéniablement. Ces trames sonores brassent tellement large, sont si inspirés, ça en devient parfois indescent. J'ai toujours aimé ce procédé perso, on pense donc à l'approche de Kaada sur son premier disque par exemple ; un autre compositeur Tzadik, Mark de gli Antoni, s'y est essayé avec brio (voir cette même section).
Bienvenue donc dans un autre univers, captivant et surprenant à tous les instants. Apparement, le compositeur avait cependant tout donné pour cet oeuvre, car il n'a jamais renouvellé l'experience...

KARL BERGER - Strangely familiar

2011-11-07T04:57:00.000-08:00

Pionnier du nouveau jazz européen, surtout connu comme vibraphoniste, Karl Berger est aussi compositeur, arrangeur, et d’abord… pianiste. Installé depuis longtemps à Woodstock, il dirige depuis 1972 le Creative Music Studio. Né en 1935, Karl Berger s’initie au jazz après de solides études de piano classique, et participe déjà au premier festival d’Antibes en 1961. Il s’intéresse ensuite aux travaux d’Ornette Coleman et de Don Cherry avec qui il joue et enregistre à partir de 1965 aux Etats-Unis et en Europe (voir notamment les disques ESP de Don Cherry captés au Café Montmartre de Copenhague). Largement accaparé par ses activités d’enseignant, il se produit peu sur scène et ses disques sont rares. Saluons donc l’idée de John Zorn de lui proposer d’enregistrer ces 17 Miniatures for Piano Solo, comme il les appelle, composées entre 2005 et 2009. Sensibles et légères, paisibles, mais aussi profondes et réfléchies, ces pièces témoignent beaucoup plus d’une recherche introspective, comme chez Ran Blake, qu’elles se présentent comme un déballage néo-romantique fumeux, ce que nous proposent, hélas, trop de pianiste "à la mode". Recommandé aux vrais mélomanes et amateurs de beau piano.
Chronique issus du site culture jazz, mais je n'avais honnêtement pas beaucoup plus de choses à dire. Un disque à écouter allonger en rêvant...

KEERIL MAKAN - In sound

2011-11-07T04:35:00.000-08:00

Keeril Makan est un jeune compositeur américain aux travaux enluminés d'une foule de détails .A partir de musiques du folklore amérindien, de musique classique hindustani, de minimalisme et de bribes issues de l'avant-garde européenne il crée un univers sonore d'une sincérité et d'une honnêteté confondantes.
Petite présentation furtive avant de rentrer au coeur du sujet : trois pièces sonores présenté içi, deux commissionné pour le célébre Kronos quartet (qui donnait sa chance à des jeunes compositeurs à un moment...) et une commissionné pour le Paul Drescher electro-acoustique ensemble. Qui connait le kronos sait qu'on a affaire à un string quartet traditionnel : les deux longues compositions de Makan sont donc correctes dans le genre, même si assez convenue : on appreciera cependant l'exploration sonique faites de montées et le contraste entre bruit et pureté du son. En revanche, la pièce electro-acoustique a beaucoup plus attiré mon attention : sombre, froide, inquiétante et bourré de sonorités captivantes : batterie electronique, guitare, marimba, clavier, violon et clarinette se mélange dans une ambiance glauque, développant un tourbillon sonore sournois et malsain. Une pièce donc qui sauve donc "in sound" d'un contenu peut être un peu trop classique, et qui nous balance dans les frontières de l'expérimental et de son coté mystérieux...

GEORGE LEWIS - Endless shout

2011-11-07T04:02:00.000-08:00

George Lewis, auteur de livre, précurseur dans l'utilisation de l'ordinateur dans des compositions comtemporaines, professeur à l'université de Californie à San diego, et tromboniste virtuose. Premier disque pour la composer serie sortis en 2000, la pochette de "endless shout" est vraiment chouette je trouve, il y a toujours ce coté "arty" dans les disques tzadik, c'est à chaque fois du bon boulot. Un disque assez varié dans l'ensemble avec quatres pièces sonores fonciérement différentes les unes des autres.
On attaque avec "North star boogaloo" de 1996, trame pour percussions solos accompagné d'un lecteur qui nous raconte une histoire en même temps, et de pas mal de samples d'ambiance bien utilisé : une atmosphére se dégage du truc, on est pris dans le tourbillon du récit, une réussite donc.
Le titre éponyme date de 1994, composé pour du piano solo et interprété superbement par une pianiste inconnu. Posé, envoutant, réfléchis, un bon travail de composition classique. La pièce suivante est composé en 1977 pour un orchestre complet de 13 musiciens, et sera interprété en 1997 avec George Lewis lui même au baton : une pièce assez crispante, avec des cuivres un peu stressant et relachement complet, on s'attendait à plus de construction et d'esprit cartoon, c'est une relative déception. La derniére piéce sonore est la plus longue avec George Lewis lui même au trombone et à l'ordinateur : le compositeur doit en effet composé des séries de samples ambiant et instumentaux psyché, puis enregistre par dessus l'ordi avec son trombone. "Voyager" est la pièce la plus énigmatique mais aussi la plus captivante dans le fond, on ne sait pas ou le voyage va se finir, et il y a un coté opprésant plutôt bien exploité. Une fin qui nous entraine dans le trou noir donc...

ARAM BAJAKIAN'S KEF - s/t

2011-11-07T02:53:00.000-08:00

La sous-division "fullforce" au sein de la catégorie Composer serie avait largement débrouisailler le terrain quand aux jeunes groupes qui virevolter de plus belle en faisant s'accoupler le rock débridé et l'expérimental le plus sauvage. Kayo Dot, Time of orchids, Stabat Akish, Larval ou Mick Barr se sont donc retrouver sur Tzadik, mais au sein d'une section qui renferme des compositeurs "classique" dans leur approche, cela pouvait prêter à confusion.

Ceci est terminé aujourd'hui avec la création d'une nouvelle série intitulé "Spotlight", offrant ainsi un coup de projecteur sur les nouveaux groupes fondé par des jeunes musiciens aventureux de naviguer dans des chemins non balisés par les codes usuels de la musique populaire. 3eme chapitre de la série proposé donc par un jeune guitariste fougueux de Brooklyn nommé Aram Bajakian. Effectivement, on ressent l'impact de Marc Ribot dans le jeu extraordinaire d'Aram, technique, evasif et renversant à la fois. Son groupe se prénomme Kef, inspiré par les danses arméniennes du même nom, ou on retrouve Shanir Ezra Blumenkranz à la basse acoustique (les reguliers de Tzadik le connaissent, rashanim, cyro baptista, etc...) et Tom Swafford au violon. Trois jeunes musiciens qui en veulent donc, et qui nous balancent 12 titres fantastiques, parfait mix entre dérives rock (notamment avec la dissonnance de la guitare) et musique traditionnelle arménienne (surtout dans les assauts du violon). Aucun temps morts, une cohésion incroyable, une inspiration sans faille, des débordements improvisés jouissifs, ce disque est un must have dans le genre. Le sang neuf de la série Spotlight aura fait grand bien à Tzadik, puisque les 3 volumes sont vraiment excellent et demeure à acquérir au plus vite...

PET BOTTLE NINGEN - s/t

2011-11-06T09:00:00.000-08:00

La sous-division "fullforce" au sein de la catégorie Composer serie avait largement débrouisailler le terrain quand aux jeunes groupes qui virevolter de plus belle en faisant s'accoupler le rock débridé et l'expérimental le plus sauvage. Kayo Dot, Time of orchids, Stabat Akish, Larval ou Mick Barr se sont donc retrouver sur Tzadik, mais au sein d'une section qui renferme des compositeurs "classique" dans leur approche, cela pouvait prêter à confusion.

Ceci est terminé aujourd'hui avec la création d'une nouvelle série intitulé "Spotlight", offrant ainsi un coup de projecteur sur les nouveaux groupes fondé par des jeunes musiciens aventureux de naviguer dans des chemins non balisés par les codes usuels de la musique populaire. Aprés l'excellente ouverture faites par les rhinocéros, le second volume donne le champs libre aux New yorkais de Pet bottle ningen. Formation en trio avec une batterie, une gratte et un saxophone, c'est un tour de force technique dont on subit les assauts durant 13 titres sauvages et ahurissants. Si une trés belle accalmie de 8 minutes nommé "tupperware" (et se rapprochant du sujet jazz originel) se situe au milieu du disque (ainsi que "frogfish"), le reste donne parfois dans la sauvagerie la plus primaire, comme pour satisfaire nos bas instincts. Riffs parfois dissonants, batterie en freewheeling et sax hystérique hérité bien sur par le gourou de la downtown scene. Composition technique complexe, improvisation sourde, stop and go et dérives bruitistes sont au programme d'un disque assez barge durant toute sa durée. Rapprocher le trio de Painkiller serait un raccourcis facile (et il n'y a aucun blast beats malgré les instants de fureur), mais ça vous donne au moins une idée de tonalité dans lequel se situe Pet bottle ningen. Un nouveau trio donc assez remarquable, qui ensanglante la série Spotlight d'une griffe aussi tranchante qu'acérée. Choc !

NAUSEEF/MORI/PARKER/LASWELL - Near nadir

2011-11-06T08:23:00.000-08:00

Enregistré dans une église en Angleterre en aout 2010, "Near Nadir" frappe un grand coup dans les opus marqué du sceau 100 % improvisé. La Key serie nous en a déja dévoiler quelques exemples en matière de Free jazz et quelques noms légendaires : c'est aujourd'hui un quatuor unique en son genre qui nous délie les oreilles. Et si seul Evan Parker avec son sax peut nous faire trés vaguement penser à du jazz, l'ensemble des éléments se révéle en fait electro-acoustique, voir même noisy par moment. Ikue Mori et son laptop se délecte du squelette sonore, Bill Laswell (plutôt discret pour ce coup çi) donne des effets de basse toujours aussi saisissant, et mark Nauseef balance de la percussions bizarre avec tout ce qu'il a en stock (metal, bois, cloches, percus chinoises et j'en passe). Une rencontre aussi destructurée qu'assez sage dans le fond, un disque unique en son genre car foncièrement impossible à refaire. Même si je ne l'écouterai pas tous les jours, j'en ai apprécié les grandes lignes, et il est possible que tous les auditeurs de Tzadik le soient aussi, le label ne sortant pas de son statut expérimental de prédilection. L'artwork est sobre et classe, comme d'habitude...

COCHRANE/COOPER/HOUSTON-JONES - Them

2011-11-06T07:36:00.000-08:00

En 1985, c'est la rencontre de trois hommes qui a permit l'aboutissement du projet "them" : Ishmael Houston-jones, danseur et chorégraphe, Dennis Cooper, narrateur de livres, et Chris Cochrane, musicien et guitariste de la downtown scene. Les trois hommes décidérent de monter un spectacle de danse ayant pour théme la menace et le ravage du sida sur la population gay de NY. Le projet sera présenté au fameux club de danse PS122 de Manhattan dans une version assez longue, puis sera présenté en 1987 à Toronto.
2010, le PS122 demanda à ses créateurs si ils voulaient donner une seconde vie à la piéce, ce qui sera fait en recrutant des nouveaux danseurs. Puis les bribes de composition datant de 1986 de Cochrane ainsi que les passages musicaux improvisés furent enregistrés pour paraitre sur ce chapitre de la Key serie de Tzadik. Cochrane à la guitare et autres instruments, et Kato Hideki à la basse, percussions, mandoline entre autre. Bande son basé sur des passages souvent ambiant un poil angoissant. La guitare est souvent trituré sournoisement à la manière de Fred Frith. Il y a des pistes de Spoken word de Dennis Cooper, avec un fond sonore ou parfois seul. Les compositions de Cochrane sont brillantes, arrivant parfaitement à faire ressortir la gravité du sujet couplé à l'urbanisme sombre et glauque de NY dans les années 80.
Un trailer de la pièce de danse version 2011 est disponible sur la toile, montrant une oeuvre aussi captivante qu'avant gardiste. A découvrir...

NI HAO ! - Marvelous

2011-10-28T16:37:00.000-07:00

Si les petites de Ni-Hao ont perdus une de leur membres en cours de route, les conduisant au savoureuse joies du duo, elles n'ont cependant en rien perdu de leur verve noisy et déjant'. Basse et batterie absolument débridé, accompagné par le renfort occasionel de quelques instruments, dont une guitare et un saxo bien bargeot que ne renierait pas un certain Mr Z. Les japonaises nous font de nouveau un grand chelem dans l'esprit décalé à la japonaise : le chant hurlé, chanté, jappé, éructé l'atteste grandement, tant il détonne dans cet amas déstructuré et captivant. Les ambiances se succédent au sein de morceaux tous étonnants et fous. On saluera la splendeur de l'originalité du pays du Wasabi, plus particuliérement la scène de Kansaï, d'ou sont issus les Ni Hao !. Yukari et Ariko s'en sortent donc avec aisance dans l'exercice du second disque, même si les deux remix proposé sur le disque sont relativement inutile et particulièrement de mauvais gout. Je pense préféré au final ce "marvelous" à son prédécésseur...

THERESA WONG - The unlearning

2011-10-26T14:27:00.000-07:00

La violoncelliste californienne - The Unlearning est son tout premier album - a écrit ce recueil de miniatures pour violon, violoncelle et deux voix, que lui inspirèrent les gravures de GOYA, Les Désastres de la Guerre (1810-1820). Carla KIHLSTEDT (violoniste inspirée, que les fervents du label tzadik connaissent bien) joue l'alternance complémentaire lui donnant la réplique pour ces curieuses et attachantes chansons expressionnistes à mi-chemin entre classique et pop.

Effectivement, sur fond de duo violon-violoncelle, Les superbes compositions de Theresa font mouche quasiment à tous les coups. La juxtaposition des deux trés belles voix des musiciennes, les coups d'éclats aux instuments, l'opposition classique/expérimental avec toujours ces éléments qu'on sent improvisés. Mais l'ensemble fait preuve non seulement d'une certaine fraicheur, mais surtout d'une grande émotion, en sussurant les paroles et en jouant parfois presque en sourdine notamment. Premier disque sympathique de Theresa Wong, la serie Oracles se porte bien...

LES RHINOCEROS - s/t

2011-10-05T13:37:00.000-07:00

La sous-division "fullforce" au sein de la catégorie Composer serie avait largement débrouisailler le terrain quand aux jeunes groupes qui virevolter de plus belle en faisant s'accoupler le rock débridé et l'expérimental le plus sauvage. Kayo Dot, Time of orchids, Stabat Akish, Larval ou Mick Barr se sont donc retrouver sur Tzadik, mais au sein d'une section qui renferme des compositeurs "classique" dans leur approche, cela pouvait prêter à confusion.

Ceci est terminé aujourd'hui avec la création d'une nouvelle série intitulé "Spotlight", offrant ainsi un coup de projecteur sur les nouveaux groupes fondé par des jeunes musiciens aventureux de naviguer dans des chemins non balisés par les codes usuels de la musique populaire. Ce sont donc Les rhinocéros qui ouvrent la section avec un premier disque tout simplement énorme. Arrivant droit de Washington DC, c'est aprés une intro et un "bonjour !" pétant que démarre "Beeps and boops" dans une atmosphère bunglelesque tonitruante. Trio de formation classique à la base, le combo s'amuse ensuite à faire venir d'autres musiciens, et à brouiller les pistes avec dextérité désarmante. Rock, jazz, impro, noise, passage ambiant, touché world music, avec un sens du mix et de la composition absolument excellent. La section "Spotlight" démarre donc fortement, et ce premier volume est un futur clasique du genre...

GYAN RILEY - Stream of gratitude

2011-09-22T14:58:00.000-07:00

Gyan Riley, fils du célébre compositeur Terry Riley, ancien résident californien, résidant aujourd'hui à Brooklyn, et sortant son premier disque sur la composer serie. Le jeune musicien rejoint donc la catégorie précise et fermé des compositeurs virtuoses de la six cordes mais qui tape dans un registre classique, mi composé, mi improvisé. Dans mes souvenirs, seul Fred Frith et Marc Ribot se plie à cet exercice si difficile qui réclame une absolu parfaite maitrise de la guitare (Derek Bailey est encore un cas à part dans le genre...). Gyan s'en sort parfaitement bien sur ce "stream of gratitude" absolument imparable dans le genre. Plusieurs compositions plus ou moins longues, plus ou moins harmoniques, mais révélant tout une technique guitaristique hors pair et une oreille sans faille. Bon evidemment, un certain minimalisme se dégage du disque, mais d'un point de vue expérimental et compositionnel, Gyan Riley rentre dans la parfaite catégorie de la composer serie, et s'en relativement avec les honneurs, même si un peu plus d'émotions n'aurais pas fait vraiment de mal....

JOEL RUBIN / URI CAINE - Azoy tsu tsveyt

2011-09-18T09:35:00.000-07:00

Ethno-musicologue de renom, clarinettiste les plus reconnus de la scène juive, Tzadik accueille Joel Rubin en ses rangs, intégrant ainsi la grande lignée des clarinettistes du label (David Krakauer, Ben Goldberg, etc...). Ce dernier est associé à Uri Caine, figure de la downtown bien connu des amateurs de Tzadik et de l'univers Zornien, notamment auteur d'un book of angels en solo. Rencontre inédite et intéressante, parfait pour comprendre les liens qui peuvent se nouer entre le jazz et le klezmer. La clarinette de Rubin nous renvois au coté traditionnel de la musique juive, l'interprétation parfois improviser de Caine à l'orgue et au piano nous fait penser au jazz. L'alchimie de l'interprétation est parfaite, le rendu est d'une sobriété exemplaire, tout en étant un délice des oreilles. Un duo dans la même veine que Burton Greene et Perry Robinson sortis l'année dernière dans cette section. Bel artwork comme à l'accoutumée pour la radical jewish culture.

FOGEL AND THE SHERIFFS - Exorcism

2011-09-18T08:58:00.000-07:00

Vous pourrez voir une kronik dans cette même section de Pissuk Rachav, formation à l'initiative de Jeremy Fogel. Je l 'ai réécouté avant de découvrir "exorcism", et mon avis reste à l'identique (peu de cohérence et une mixture indigeste). C'est donc un peu à reculons que j'ai découvert cet opus de Fogel avec sa formation habituelle des Sheriffs. Bien mal m'en a pris, ce dernier chapitre est une bonne tuerie, parmi l'une des meilleures surprises de la radical jewish et ceux depuis de nombreuses années.
Difficile de dresser un portrait exact des attributs musicaux de ces 15 titres schizophréne jouissifs. Mais pour faire simple et multiplier les raccourcis dans les esprits, on peut dire sans difficulté que Fogel se calque sur la même vision musical que Serge Gainsbourg : entre folk décalé, ballades sexuellement provocantes, reggae apaisés, et même quelques touchés rock bien mortel. Je me suis pas trop penché sur les paroles (accés à priori sur l'historique de Rabbi Jesus, tout un concept), j'imagine l'ensemble parfaitement décalé, comme toute la trame globale du disque. "Exorcism" est un brillant coup d'éclat proposé par le génial Jeremy Fogel, le label new yorkais peut se vanter désormais d'avoir un des digne héritiers de Gainsbarre, c'est nous autres français qui somme content...

JOHN ZORN - Enigmata

2011-09-07T10:58:00.000-07:00

91eme référence de la section Archival series, qui classifie tous les travaux de John Zorn, de ses début en 1973 jusqu'à aujourd'hui. Digipack classique de la "new era" tzadik, quoiqu'on sent que les frais de fabrication ont été réduit pour le coup, par rapport à l'insert en papier (au lieu du carton) qui sert à maintenir le disque. Beaucoup de sigles mystérieux dans le digipack, correspondant aux 12 enigmes du disque. On retiendra surtout le livret du disque et, surprise, des notes de John Zorn datant de 2010, ce qui n'etais plus arrivé depuis un moment.

Ces notes seront un peu le point de départ de cet avis écrit, certes peu argumenté, mais résolument définitif en ce qui me concerne. Le point de départ du disque fut la phase de composition de Zorn en 2010, et notamment le titre de "Apparitions" de Moonchild qu'on retrouve sur "Ipsissimus". Mélangant de la composition avec aucune tonalité centrale, des parties improvisées "conduites" et des passages noise prédéfinis, le duo Ribot/Dunn en fit un des coup d'éclat de la session studio, et leur exhaltation de musiciens fut conséquente apparement. C'est donc dans cette optique que le duo fut reconduit pour un disque entier intitulé "Enigmata" et pensé uniquement pour la collision guitare et basse. Zorn semble ensuite se justifier de la difficulté d'écoute du disque : les rockeurs n'apprécieront pas l'absence de batterie, la distortion heavy alienera les jazzeux, les éléments de composition ne plairont aux puristes de l'improvisation, et vice-versa d'ailleurs. La traduction de la suite du livret suivra ensuite ci dessous, les fans de Zorn seront intéréssés de le savoir je pense.
Sinon, "Enigmata" n'est pas trés plaisant à l'écoute. Une longue et fastidieuse improvisation à l'oreille, chiante, sans cohésion, ni passion, du moins à mes yeux. Un chapitre anecdotique de l'univers du maitre de l'East village. Zorn posséde cependant assez de recul pour le comprendre et le deviner, et en fait un brillant plaidoyer à lire. Voila certainement pourquoi j'aime et je respecte ce compositeur.

"Enigmata est pour certaines personnes, pas les plus nombreuses, ce qui prouvera les difficultés d'écoute même parmis mes plus fidéles suiveurs. Mais je fais ce que je juge le plus apte à faire sans me soucier de ce que le monde extérieur peut penser, vouloir et s'attendre [...]. Je ne justifie pas les incompréhensions qui entoure la plupart de mon travail, je veux que les gens l'apprecient, mais ce n'est en aucun cas ma motivation, ni ma raison pour le créer. Mon but, ma raison, ma vie est le travail lui même, mon oeuvre fera son chemin par la suite.
Ce que je fais tombe dans les barriéres entre ce qui est compris/incompris, definissable/elusif, accepter/non désiré. Il y a des bénéfices à ces barriéres, d'éxister dans l'underground. Cela permet une liberté de créer sans se soucier des restrictions marketing, des pressions sociales ou des classifications reductrices. [...].
C'est une nouvelle musique, une musique au dela des genres. Les nouveaux outils ont besoin d'être analysé, les oreilles ouvertes ont besoin de l'apprécier. En resulte que la plupart des gens ne savent pas encore quoi en faire, et ont parfois besoin d'emettre des jugements basé sur l'ignorance et les incompréhensions. Il y a quelque chose de triste sur ce constat, mais il y a aussi quleque chose d'excitant et de libérateur. Aprés toutes ces décénnies, cette musique a encore besoin d'être définis et nous avons encore beaucoup de liberté par rapport à ça. Nous existons encore dans les rues (et non les institutions), nous vivons, nous grandissons, nos travaux sont en flux constant, et en plus d'être excitant pour l'artiste, nous rendons les institutions musicales et l'audience d'aujourd'hui trés mal à l'aise.
L'un des problémes d'expliquer l'inconnu et qu'on en est vite réduit au connu. Il n'y içi pourtant aucun danger. La musique parle un langage secret qui nous laisse avec un sentiment de constant paradoxe. Se perdre dans un processus de création peut permettre de se perdre dans le mystére en lui même, mais pour invoquer les mystéres, il y a un prix : Le monde ne peut pas être prêt pour cette musique. Honnête, imaginative, cathartique, et passionnément interprété. Elle est ce qu'elle est, et n'a aucune prétention de n'être rien d'autre que ce qu'elle est."

John Zorn, NYC, 2010

JOHN ZORN - The satyr's play / Cerberus

2011-08-25T03:11:00.000-07:00

90eme référence de la section Archival series, qui classifie tous les travaux de John Zorn, de ses début en 1973 jusqu'à aujourd'hui. Superbe digipack classieux offert cette fois çi par Tzadik, d'ailleurs un peu plus cher qu'à l'accoutumée, répercussions des frais de fabrication on imagine. A noter aussi que 666 copies du disque ont été numéroté et signé par Zorn, et que 66 copies sont collector avec une édition spéciale du livret du disque emballé dans de la peau de Bouc satiné avec de l'or (!), à priori c'est ce que j'ai compris du moins. Zorn, passioné de numérologie, fait encore des siennes. Deux nouvelles pièces comme le titre l'indique, disctinctement séparé à la manière de "Godard/Spillane" par exemple.

On démarre avec "The satyr's play" qui retranscrit les excès des bacchanales et des saturnales, fêtes romaines dont dérive l’invention du carnaval. Plus d'infos en se renseignant sur la toile. Le texte de présentation du livret est orné des dessins mystiques à forte connotation sexuelle d'Austin Osman Spare (artiste anglais et magicien qui aura quelques affiliations et déboires avec Aleister Crowley, entre autre). Les textes ésotériques sombres sont fait pour être lu à haute voix à certains moments de la pièce (renvoyant certainement cet acte à des incantations rituelles). Conçus pour deux percussionistes, on n'est pas étonné que ce soit Kenny Wollesen et Cyro Baptista qui s'y colle, eux qui avait déja collaboré avec Zorn dans ce genre de pièce, notamment les filmworks. On remarquera aussi beaucoup d'effets sonores divers lors de la pièce (animaux, jouissance féminine, stimulation d'orgie, coup de fouet, etc...), certainement conçus avec l'aide de David Slusser. Ces effets sonores étoffent grandement "the satyr's play", On est transporté à Rome dans l'antiquité, en pleine bourre pour l'orgie du mois au temple en l'honneur de Dionysos-Bacchus, le dieu du vin. Tout un programme.

Changement radical d'ambiance avec "Cerberus", trame sonore de dix minutes. Cerbere, soit le chien à trois têtes gardant l'entrée des Enfers dans la mythologie grecque. Il empêchait ainsi ceux passant le Styx de pouvoir s'enfuir. Les trois cuivres présent (trombone, tuba, trompette)dans cette pièce personnifie les trois têtes du Cerbère. Démonstration sonore des trois cuivres pour une inspiration mythologique et démoniaque, un classique du genre Zornien. La pièce est bonne dans l'ensemble, même si plus courte et synthétique que la précédente.

Musique de Chambre impériale proposé par John Zorn, dont on saluera une nouvelle fois l'habilité à composer et offrir de la grande musique au service de ses nombreuses influences artistiques flirtant avec la mythologie cette fois çi.

OKKYUNG LEE - Noisy love songs

2011-08-25T02:48:00.000-07:00

Il est vrai que Okkyung Lee n'a pas chômé depuis son arrivée à New York en 2000. Membre importante de la Downtown scene, elle a collaboré avec beaucoup de monde, Christian Marclay et Thurston Moore entre autre, ainsi que le parrain John Zorn en la faisant participer à "Femina", grand disque proposé par le maitre New Yorkais. Son affiliation avec Tzadik étant évidente, "Noisy love songs" succéde à "Nihm" sortis en 2004, bon chapitre de la série Oracles dédié aux travaux des femmes dans la scéne expérimentale mondiale. Ce disque est entouré d'un sous titre "for George Dyer", hommage appuyé à l'écrivain et poéte anglais du XVIIIeme. Si quelques instruments apparaissent en plus, les deux oeuvres de Lee restent sommairement dans la même veine, à savoir de la chamber music haute en violon et piano, mais avec cette folie qui caractérise l'improvisation bruitiste pure. Les inspirations coréénne transpire certainement moins, au profit de plus de folie dans l'interprétation. On retrouve aussi un titre inédit issus de la session de "Nihm" ou l'on retrouve Ikue Mori pour une apparition habituelle au laptop (accompagné d'un percussioniste). Même si je l'écouterai pas tous les jours, "Noisy love songs" est un bon disque d'expérimental inspiré et recherché. Le titre de l'album est bien trouvé d'ailleurs...

MAZAL - Axerico en selanik

2011-08-15T07:52:00.000-07:00

"Mazal est un subtil mélange de chants séfarades anciens et de musique actuelle aux sonorités électroniques et samplées. Ce métissage de tradition chantée et de modernité musicale se veut à l'image de la culture juive-espagnole empreinte d'amalgames orientaux et occidentaux depuis le moyen-âge. Grâce à l'apport de sons électroniques et de riches rythmiques, Mazal ouvre les voies du possible de la réconciliation interculturelle, au-delà du temps et de la vanité des mots. Mazal fait souffler un air de modernité créant dans la rencontre, un flux musical énergique et dansant. "

C'est les vacances, je suis un peu en mode flemmard, et j'ai donc recopié le petite introduction sur le site de Mazal. On a en effet de la chance d'avoir de plus en plus de groupes français sur Tzadik, et ces derniers se présente mieux que ce que j'aurais pu faire. 4eme groupe gaulois sur la radical jewish culture (le 3eme en 1 an), on a de quoi être fier. Et Mazal est sans conteste le plus original : exit le klezmer un poil barrée des autres combos, Le duo bouleverse les codes en faisant honneur à la fameuse "french touch" qui fait que plusieurs artistes de musique electronique français sont connus dans le monde entier. L'alchimie entre la tradition des lignes de chants d'Emanuelle Rouvray et l'instrumentation de Thomas Baudriller est absolument parfaite dans le style. Gros travail d'ailleurs de ce coté la, la musique n'étant pas qu'un assemblage de rythmiques électroniques basiques, mais plutôt un vrai travail de sampling d'instruments traditionnels (mandoline, accordéon, percussions...) avec tous le coté electro, flirtant parfois dans une approche quasi lounge. L'ensemble sonne résolument dansant, moderne et créatif, un vrai première pour la section juive. Mazal nous offre une approche unique que j'ai fortement apprécié, tout comme John Zorn à priori. Et il s'agit d'un des disques les plus originaux et aventureux du label Tzadik. A découvrir d'urgence...

JOHN ZORN - Caym book of angels 17

2011-08-14T08:10:00.000-07:00

En premier lieu, l’artwork de ce skeud’ est sublime : un digipack de toute beauté avec étoile gravé sur le front et tout…la grande classe ! Ensuite, Après la série sur radical jewish culture qui voyais à l’honneur des disques hommage pour les 10 ans de Masada, voici une nouvelle série d’album hommage ou des groupes reprennent des standards du groupe de Zorn à leurs sauces, puisant dans le repertoire des 300 chansons écrites par Zorn en 2004 ("book of angels") mais que Masada ne garda pas.

C'est avec grand bonheur que j'ai découvert et apprécié ce 17eme volume initié par Cyro Baptista et son groupe Banquet of the spirits, volume evident étant donné les nombreuses années d'amitié entre le compositeur new yorkais et le percussioniste brésilien. Je partais en territoire connus puisque j'ai vu le groupe joué par deux fois une partie de ces morceaux lors des deux masada marathon à Milan et New york. Et les prestations données ces soirs la étaient tout simplement ahurissante, et parmis les meilleures de tous le marathon. Les 12 titres de "Caym" sont tout simplement énormes, vous vous en doutez. Etrangement arrangé par Shanir Ezra Blumenkranz (en lieu et place de Cyro Baptista lui même), c'est d'autant plus étonnant puisque qu'il ne fait à priori plus partis du groupe depuis au moins le mois de mars (il était absent du marathon à New york, et le quartet s'était transformé en quintet). Ce dernier a cependant effectué un travail colossal sur ce disque, avec des arrangements et des orchestrations d'une richesse infinie, tout comme Trey Spruance l'avait fait avec Secret chiefs 3. Le paralléle entre "Caym" et "Xaphan" n'est pas trop usurpé de toute façon, même approche world music, même luxuriante et complexe adaptation des compositions Zornienne, même folie en concert. Au final, "Caym" rentre aisement dans mon top 5 des book of angels, un disque dont on ne se lassera vraisemblablement jamais d'écouter...

JOHN ZORN - Nova express

2011-08-13T18:01:00.000-07:00

89eme référence de la section Archival series, qui classifie tous les travaux de John Zorn, de ses début en 1973 jusqu'à aujourd'hui. Nouveau digisleeve un poil minimaliste concocté par Tzadik, dans la même veine que "in search...", artwork adéquate pour dévoiler enfin un hommage de longue date prévus par Zorn à l'écrivain William Burroughs (ainsi que collégue de débauche Brion Gysin) dont le compositeur est fan depuis 1970.

"Nova express", troisième nouvelle de la "nova trilogie", commentaire social de 1964 rédigé par Burroughs. Tout comme "Interzone", Zorn s'appuie donc sur l'univers de l'écrivain de la beat generation pour composer ces deux chapitres qui sont complémentaires tout en étant techniquement assez différent. Différent sur la forme, plusieurs musiciens d'Interzone s'étant paumé en cours de route, il ne reste plus que le quartet Dunn/Basse, Medeski/Piano, Wollesen/Vibes et Baron/batterie, soit une formation plus typé "jazz". Différent sur le fond egalemment, les longues tirades sonores sont remplacés par des morceaux au format classique (entre deux et sept minutes). John Zorn a voulu de son propre aveu associer le coté lyrique de ses chamber works avec la technique du Cut-up à la façon de Naked city (technique rodé au sein de morceaux de format assez court) avec la virtuosité technique de Masada (les musiciens se connaissant bien, et étant donné leur CV, c'etais jouable). On se retrouve donc avec effectivement 10 titres parmis les plus "epileptiques" du compositeur, ou la technique et le feeling des performers est tout simplement ahurissante. Composition pure ou partie improvisée ? J'aime à penser les deux, mais le format synthétique des morceaux laisse plutôt penser à des partitions noircies de notes. Un travail de compositeur admirable une nouvelle fois, pour un résultat qui surprendra moins l'auditeur qu"Interzone" qui se révélait beaucoup plus riche en terme d'atmosphères et de surprises. Les mauvaises langues pourront même dire qu'il s'agit d'une version plus jazzy et virulente d'In search of the miraculous. Mais "Nova express" est tout de même une oeuvre singulière et magnifique de dextérité et de compléxité harmonique. Et le final "between two worlds" est délicieusement exquis. A se procurer, tout comme l'oeuvre de Burroughs...

ARTICHAUT ORKESTRA - T for Teresa

2011-08-10T10:25:00.000-07:00

Il est coutume de compter sur la présence des groupes français dans les rangs de Tzadik, LE label new yorkais de référence, pour la plus grande joie de nos compatriotes et de moi même, investigateur de ce modeste blog en hommage avant tout au label. La France aime Tzadik, le label le lui rend bien à priori.

Ainsi, aprés Zakarya, Autoryno, et Mazal sur la radical jewish culture, voici l'arrivée en fanfare de l'Artichaut orkestra, et une représentation en force de la ville rose, puisque le groupe succéde à Stabat akish (sur la composer serie) en tant que combo toulousain à faire son incursion dans le giron américain, offrant ainsi une exposition mondiale à l'orchestre. Orchestre qui se résume d'ailleurs à un quatuor assez standard dans le cadre de la musique juive : Batterie, guitare, accordéon, et clarinette. Dés les premières mesures, on est scotché par la déxtérité de Camille "Artichaut" Humeau, qui maitrise autant la clarinette que son mentor David Krakauer. Ce fil conducteur servira ensuite à la formation pour ne pas s'encombrer ave beaucoup de codification musicale, mixant klezmer, approche jazzy, dérive rock et feeling classique avec une facilité frisant la désinvolture et le talent outrageant. Qu'ils reprennent du Bach à leur sauce, qu'ils se la jouent klezmer habile dés le titre d'ouverture, péte un cable en plein milieu du disque ("cirquenscie") ou parte dans des délires fusion digne de Zakarya sur le bien-nommé "façon puzzle" (la comparaison n'est parfois pas usurpé), c'est toujours éxécuté avec une technicité sans faille et une classe frenchy qui redonne des couleurs à notre pays. Vous l'aurez compris, encore une arrivée marquante sur la radical jewish culture, l'identité juive, le brassage des genres et l'innovation musicale formant parfaitement l'univers de l'Artichaut orkestra...

JOHN ZORN - Haborym book of angels 16

2011-07-31T10:38:00.000-07:00

En premier lieu, l’artwork de ce skeud’ est sublime : un digipack de toute beauté avec étoile gravé sur le front et tout…la grande classe ! Ensuite, Après la série sur radical jewish culture qui voyais à l’honneur des disques hommage pour les 10 ans de Masada, voici une nouvelle série d’album hommage ou des groupes reprennent des standards du groupe de Zorn à leurs sauces, puisant dans le repertoire des 300 chansons écrites par Zorn en 2004 ("book of angels") mais que Masada ne garda pas.

3eme Book of angels pour 2010, avec un volume ultra balisé et sans surprises, soit la deuxième apparition du Masada string trio. J'enclenche direct le point de polémique : pourquoi avoir reconduit le trio pour un second volume ? Le label mentionne "by popular demand", mais je ne pense pas que John Zorn soit une oreille si attentive aux "réclamations populaires". Alors certes, le trio est brillant, les musiciens sont des proches de Zorn, et les fervents de ce second volume ne seront pas du tout d'accord avec moi, mais je trouve ça dommage de donner dans la ré-édit, tout en sucrant onze morceaux qu'un autre artiste aurait pu transcander. Hormis cet état de fait, "Haborym" est un bon disque, par un trio dont nous connaissons tous les qualités. Aussi bon que "Azazel", les cordes vibrent dans tous les sens une nouvelle fois. Un chapitre traditionel de la série dirons nous pour être un peu consensuel...

KLEZMERSON - Siete

2011-07-31T09:37:00.000-07:00

Tache un poil ardu que de commencer à décrire ou à retransmettre ce disque des Klezmerson à l'écrit. Zorn s'y essaye avec la retenue classique des fameuses tranches noires tzadik (rires), j'aurais un peu plus de mal personnellement, pas par manque d'intérêt pour la musique bien au contraire, mais parce que les sentiments sont multiples à la découverte de ce troisième disque riche et fusionnant à souhait. Arrivant de Mexico city, le sextet s'est fait repéré par les girons de NY qui se sont empréssés de les signer sur la radical jewish culture, correspondant à la pleine définition de la section : repousser les limites de la tradition musicale juive en l'emmenant dans des nouvelles contrées et en lui offrant un avenir digne de ce nom. A partir de la, les Klezmerson se donne à fond sur ce "siete" assez fabuleux. Gardant le rythme et la mélodie du klezmer européen (avec une clarinette qui se ballade regulièrement), les mexicains s'amusent ensuite à mixer de nombreux éléments et genres dans des titres assez long à chaque fois, offrant un métissage musical certes déja vu (Bungle, Koby Isrealite, Zakarya, et beaucoup d'autres...) mais véritablement rafraichissant. Gypsy, Charanga, Cha cha, Electronique, et dérive rock sont entre autre au menu des 7 titres. Superbement interprété, Cohérent dans les brassages musicaux, suffisamment inspiré pour passer l'épreuve du temps, assez enjoués pour offrir de bonne prestations live, les Klezmerson s'inscrive comme un nouveau nom captivant de la scène fusion "juive". "Siete" en ai la preuve toute désignée...

OTOMO YOSHIHIDE'S NEW JAZZ QUINTET - Flutter

2011-07-08T10:25:00.000-07:00

A ne pas confondre avec l'ensemble qu'il sortira une année plus tard, "Flutter" est bien la première disgréssion classieuse du guitariste japonais pour le label de New York. On le différencie d'ailleurs grâce au nom du groupe qui variera selon les formations. Jamais opposé à l'innovation et avide d'expérimentations toute azimuth, Otomo Yoshihide abandonne momentanément en 2001 son mur du son sonique et noisy développé en solo sur la composer serie de Tzadik ou de multiples labels japonais pour mieux se recentrer sur une approche "traditionelle" du Free jazz dont le Japon a toujours été friand. Un quintet est mis en place avec des musiciens de Free jazz talentueux et même quelques featurings de la scène noise (dont même le phénoménal Merzbow). En résulte ce "flutter" aussi impressionant que quasiment improvisé de A à Z. Section rythmique étonnante, cuivres en roue libre, loops oppressants, vagues dronesque, et passages bruitistes sont réunis pour une association improbable et vicieuse. On pourra reprocher un leger massacre du premier morceau, avec cette vibration aigue et stridente tout au long, ça n'enléve rien aux qualités du disque, de ses passages jazz langoureux (avec reprise d'Eric Dolphy) jusqu'au vibration noise imposé à l'auditeur fébrile. Welcome to wild new japan...

MICROCOSMOS - Pilgrimage

2011-06-27T11:22:00.000-07:00

J'avais déja kroniké Death praxis dans la section new japan, duo qui regroupe la chanteuse Tenko avec la musicienne Ikue Mori. Microcosmos se veut le nom pompeux pour désigner le duo entre toujours la même Tenko et le versatile guitariste Otomo Yoshihide, dont vous pouvez déja apercevoir un bref aperçu dans la composer serie. Outre le sympahique artwork, ce "pilgrimage" fatigue plus qu'il nous envoûte, malgrés une ferme volonté de fouiner dans les hautes sphères de l'expérimental, le vrai, le violent, le sournois. Car quand Otomo triture sa guitare ou son ordi, c'est pour nous sortir des sonorités et fréquences parfois à la limite du désagréable, comme pour nous écorcher l'oreille. Peu de moment de répit, puisque Tenko nous assaille de ses chants plaintifs et lyriques au dessus de cette noise barrée, nous foutant vraiment les accouphénes au bout d'un moment. Au final, une rencontre certes originale, mais qui se révéle indigeste à mes yeux. Un chapitre nippon assez anecdotique je trouve...

HARRY PARTCH - 17 lyrics of Li Po

2011-05-05T13:27:00.000-07:00

Harry Partch (1901-1974) est le représentant incontestable de ce courant musical, fruit des recherches de quelques doux dingues américains qui ne se sont pas satisfaits des instruments traditionnels mis à leur disposition pour, au contraire, renouveler de fond en comble leur instrumentarium et inventer une musique totalement neuve. Seule l'Amérique, avide de grands espaces et d'expériences les plus folles, pouvait enfanter de tels démiurges : dans les années 10, Henry Cowell frappait de l'avant-bras le clavier du piano, tandis que John Cage, trente ans plus tard, jetait une poignée de boulons et de bouts de caoutchouc dans le ventre du piano, et créait le piano préparé... A la fois clochard, voyageur et "musicien-philosophe attiré par la menuiserie" comme il se qualifiait lui-même , Harry Partch avait fondé sa petite entreprise de mécano sonore, dont il était évidemment l'unique employé, autodidacte. Unique disque estampillé Tzadik pour ce pionnier de l'art brut sonore dont les gammes non tempérées et microtonales évoquent un Orient halluciné, enfumé par les vapeurs de l'opium : un enregistrement de ses étonnants 17 lyrics of Li Po, poéte chinois du 8eme siècle, composés dans les années 30, où "chaque syllabe et inflexion de la voix parlée sont harmonisées par l'accompagnement instrumental, à la manière des formes musicales les plus anciennes". Avec pour base un violon modifié dans la grande tradition du compositeur, c'est en 1995 que cette oeuvre majeure fût enregistré par deux musiciens américains pour être rendu public. Une oeuvre lyrique incroyable, dont les paroles sont aussi importante que l'atmosphère, et qui demeure un essai contemporain important. L'oeuvre intégral de Partch demeure à découvrir...

JOHN ZORN - Redbird

2011-04-30T04:43:00.000-07:00

Tout premier opus qui vit le jour sur la composer serie et qui était signé par le boss de Tzadik. C'étais donc aussi l'une des premières fois ou le public découvrait la facette de compositeur de chamber works de John Zorn, malgré que certains de ses travaux sont bien antérieur à 1995, date de sortie de "Redbird". Il aura fallu attendre l'indépendance de maison de disque et la création de Tzadik pour que Zorn se décide enfin à nous livrer son oeuvre tentaculaire et avant gardiste en intégralité. Hommage non dissimulé au peintre Agnés Martin décédé en 2004, l'expressionisme abstrait et l'assimilation au courant minimaliste de cette dernière transparait globalement dans cette oeuvre Zornienne assez minimaliste, mais qui posséde une parfaire cohésion avec les autres chapitres de la composer serie. Jim Pugliese qui démarre "dark river" seul avec ses percussions ouvre huit minutes inquiétante d'un disque qui apaise autant qu'il inquiéte. Puis vient la composition "Redbird" durant 41 minutes. Harpe, violon, violoncelle et percussion pour un ensemble minimaliste/ambiant basé uniquement sur la répétition, hommage à Morton Feldman et consorts. Tendu, angoissant, réfléchis. "redbird" dénote un peu dans l'oeuvre de Zorn mais à la mérite d'exister, et de nous prouver son talent d'assimiler un genre avec classe et justesse...

THE STONE - Issue four

2011-04-10T12:44:00.000-07:00

J'ai acheté ce disque directement au stone afin de soutenir le club, puisque je venais d'assister à un bon concert, et que la salle a des programmations admirables (certains mois sont à tomber par terre selon leurs programmateurs). Pourtant, il a fallu que le disque soit sous mon nez pour que je l'achète, je n'affectionne pas particulièrement le trio, et me suis laissé tenter sans trop de convictions. En partant de ce principe, cet opus est une agréable surprise. John Medeski a laché son orgue pour l'échanger contre un piano, le résultat s'avère beaucoup plus convaincant et mélodique que sur "Zaebos" par exemple. Un titre de Zorn est d'ailleurs joué en premier, pour laisser ensuite place à quatre titres (dont un de plus de 20 minutes). La cohésion du combo est brillante, le section rythmique wood-martin est impeccable, et on navigue entre swing entêtant, accalmie jazzy et improvisation en roue libre. Le public réserve un bon accueil au trio, que Zorn a du remercier pour les aider à maintenir son club en vie en leur offrant un set complet en enregistrement...Le final est trés bien foutu aussi, à découvrir. Sans pour autant que j'achéte toute le disco de MMW, ce volume de soutien est une belle prestation à découvrir. Support !

MASADA MARATHON - David Koch Theater, New York city Opera (30/03/2011)

2011-04-05T09:56:00.000-07:00

Si je peux certes donner mon modeste avis sur quelques disques glaner par çi, par la, je deteste faire les lives reports, je me sens tout simplement mauvais dans cet exercice. De plus, ne vous étonnez pas de commentaires idiots et futiles de ma part, ainsi que du manque de détails ou de ne pas enjoliver le recit, tout ceci est NORMAL ! (don't like it, don't read it !). Je vous rappelle aussi que j'ai écris un report du premier Marathon à Milan sur ce même blog (j'aurais pu faire copier-coller parfois...)

Nous revoila donc pour de nouvelles aventures avec l'ami Zorn, puisqu'on a eu la chance de partir directement à New York, ville si chère à notre compositeur favori. Un petit détour par nos péripéties dans la grosse pomme (liste pas exhaustive, on est resté quelques jours aprés le Marathon): aprés une arrivée fracassante ou nous sommes allés voir les 25 ans de Sick of it all, légende du Hardcore new yorkais, au webster hall (le conflit en Libye, c'étais un thé dansant à coté...), nous avons donc essayé de nous incruster au Miller Theater de la columbia university pour assister au Benefit for Japan show le dimanche 27 mars. Regroupant Ribot, l'aleph trio, Patton, Sonic youth, Cibo matto entre autres, l'affiche avait de quoi faire saliver. Vous imaginez notre blase quand on est resté dehors comme des cons car on n'avait pas de tickets, le show étant sold out en seulement 3 heures sur internet (600 places). On aura tout essayé pour rentrer, on aura les flics (très sympa au demeurant) au final qui nous dise de partir, nous et deux filles très fans de Patton. On ira se saouler dans des bars de Chelsea pour se venger de notre mécontentement...

Mardi 29 mars, aprés avoir pris un solide apéro dans les pubs de l'East village, on débarque au corner de la 2nd street et avenue C pour se rendre au Stone, la salle de concert de qui vous savez. On galérera pour la trouver, si tu vire le sticker minuscule devant l'entrée, c'est la porte la plus anonyme du monde. Le lieu est minuscule, ça étonne, et demeure très etrangement disposé (les toilettes sont dérrière la scène, nous serons placés nous aussi dérrière les artistes, à un métre d'eux). 53 places en tout et pour tout, on les a compté. Un petit set d'expérimental avec Ikue Mori au laptop, DJ Olive aux platines, et Billy Martin à la batterie et aux percus. On a bien apprécié...

Le lendemain, aprés un resto tenus par des mafieux (si, si...) dans Little Italy (délicieux d'ailleurs), on choppe un taxi pour se rendre au David Koch theater pour voir donc la fameux marathon, le deuxième en ce qui concerne mon pote Alex et moi même, puisqu'on s'était déjà rendu à Milan en novembre dernier (report disponible). A noter justement que ce n'etait pas du tout le programme de prévu : on devait avoir droit à la première de Moonchild, un set avec Lou reed, l'Aleph trio, etc...On a donc été un peu déçus du changement, mais ce marathon restera magique de bout en bout de toute façon (puis soyons conscient de notre chance d'avoir pu assister au deux...). Le New york city Opera est absolument magnifique, avec pas moins de quatres étages, on était mortellement placé (quasiment devant). Je suis sur des ordres de passage cette fois.

Masada quartet : John Zorn en treillis orange, Dave Douglas de nouveau avec son béret sur la tête. J'aurais pu noter la même chose qu'à Milan, puisque les titres joués sont les mêmes. La cohésion du groupe impressionne touours d'entrée de jeu. La folie furieuse de Joey Baron, les batailles trompette/sax, les stop and go bargeots, on les a déjà vu 4 fois, on s'en remet toujours pas à chaque fois...

Sylvie Courvoisier / Mark Feldman : les quatres premiers titres de Malphas interprété toujours avec autant de justesse. La 3eme fois que je les vois en moins d'un an, j'ai eu ma ration pour les années à venir cependant...

Banquet of the spirits : Zorn les présente comme un groupe « incroyable ». Shanir blumenetc à quitter son poste pour laisser place à un contrebassiste qui prend de la drogue et un guitariste qui apportera beaucoup au set. La cohésion du groupe est vraiment puissante. Cyro Baptista est un percussioniste incroyable, avec des percussions vraiment unique, et jouant comme un chef les instrus brésiliens. La folie ambiante qui se dégage des titres est communicative, et j'ai hâte d'écouter leur opus (je l'ai acheté à la fameuse « downtown music gallery »). Pas mal de personnes du public seront scotchés au siège.

Mycale : les quatre girls débarquent avec des robes plus jolies qu'à Milan. Les quatres même titres seront chantés, et je pourrai faire la même remarque sur l'omniprésence de Ayalet rose qui lance quasiment tous les morceaux (elle a d'ailleurs un diapason pour s'aider). Leur performance est cependant envoutante, et demeure un véritable acte de bravoure vocal. On s'en rend compte d'autant plus que les vocalises sont en théorie (et seulement qu'en théorie) à la portée de tout le monde, contrairement à une dextérité d'instrument. Je l'avoue, j'ai encore plus apprécié ce set, et aurait été prêt à entendre le disque au complet, qui l'eut cru, sachant que ma kronik du disque avait été assez négative...

Medeski, Martin & Dunn : « Chris Wood est en tournée, voici donc son remplacant », c'est ainsi que Zorn présente ce trio purement inédit. Trevor Dunn qui demeure à proprement parler le musicien de la soirée, puisque présent de nombreuse fois sur scène. Le bassiste aura cependant un peu de mal à s'associer à Billy Martin, batteur en roue libre qui cassera un peu la rythmique du trio. De plus, Dunn a apparement appris les morceaux (pas de partitions), et s'en ai mieux sortis avec sa contrebasse qu'avec sa basse. Mais sa présence était globalement bénéfique par rapport au trio originel, avec des moments d'improvisation bien sentie (il est excellent dans ce domaine). John Medeski est fatiguant avec son orgue...

Bar Kokhba : Les 3 premiers titres de « Lucifer » joués, exactement comme à Milan. Toujours aussi beau, on reste cependant attristé que l'album ne soit pas joué dans son intégralité, frustration quand tu nous tiens. On entendais beaucoup Marc Ribot (peut être un peu trop...), Zorn dirige toujours avec classe, les cordes sont magnifiques, et c'est rythmiquement du costaud. La plus belle incarnation Post-Masada je pense...
Intermission de 15 minutes...

Secret chiefs 3 : John Zorn a l'air particulièrement ravis qu'ils soient la (« ils viennent de Californie, faites leur un triomphe... »). Sans Grimmrobes, Trey Spruance, Timb Harris, Jason Schimmel, Ches Smith, une percussioniste et un claviériste, et revoila Trevor Dunn de nouveau à la basse, beaucoup plus à l'aise d'ailleurs que son set précédent. Les 2/3 de la formation présente de la salle, plus d'un fan de Bungle se met à rêver. Mais pour le coup, c'est Spruance qui méne le bal, avec trois titres de « Xaphan » superbement interprétés. Peut être pas le set le plus barge (Cyro Baptista et son banquet sont bien décadent dans le domaine), mais de loin le plus saturé avec ses deux grattes électriques. C'étais énorme, et surtout la principale démarquation par rapport à Milan.

Erik Friedlander : Impeccable une nouvelle fois. « Volac » est vraiment une superbe oeuvre. Un élément essentiel du downtown, le mec touche sa bille avec son instrument...

The dreamers : Idem qu'à Milan, les 3 premiers titres de « Ipos ». Retour de trevor Dunn une nouvelle fois, Ribot monstrueux, et formation sublime. Nouvelle frustration, jouez 15 titres les gars, nom de nom ! Pas grand chose à dire de plus. Zorn aurait annoncé qu'un nouvel album a été enregistré quelques jours avant (avec Patton) selon les bruits, mais sachez que je ne l'ai aucunement entendu (non, je n'avais pas piccolé cette fois çi). Cependant, Patton était à NY durant quelques jours, c'est absolument certain...

Uri Caine : Il faut remettre dans le contexte cette prestation : non seulement on voyais à peine le musicien (un orgue était placé devant le piano, on ne distinguait que ses cheveux) et on vient d'écouter plus de deux heures de concert. C'est donc sur ces deux faits que Uri Caine aura réussi le tour de force d'endormir la moitié de la salle (littéralement !). On a commencé à taper un fou rire quand on a vu les personnes agés s'endormir la tête en arrière la bouche ouverte, ou que mon voisin d'à coté (un papy en costard) s'est mis à fortement ronfler. Bref, sa prestation était bonne dans le genre, mais la place dans la programation n'étais vraiment pas judicieuse...

Masada string trio : avec Masada, la formation qui posséde la meilleure cohésion, c'est quasiment télépathique à ce niveau la. Zorn est toujours assis face au trio pour diriger, mais c'est surtout la virtuosité des musiciens qui l'emporte dans ce tourbillon lyrique d'une beauté absolu. Un deuxième book of angels griffé de leur nom a du apparaître comme une évidence pour John Zorn. J'accroche mieux sur scène que sur disque cependant.

Electric Masada : Trevor Dunn a rencontré quelques problèmes pour le reglage de sa basse, obligeant tout le groupe à l'attendre durant quelques minutes (railleries de Zorn à l'appui). Big band, Grosse masse sonore, titres identiques à Milan. La seule surprise est evidemment l'apparition de Mike Patton sur la dernière pièce « Idalah-abal » qui se contenta de suivre le morceau vocalement en gueulant parfois comme un âne. Une prestation assez moyenne en somme, mais une véritable exclusivité en soi puisque le big band ne s'était jamais associé au vocaliste. Zorn a du l'utiliser en studio en revanche. Affaire à suivre...

Fin du concert, tous le monde est debout, cinq minutes aprés, tout le monde est partis (contrairement en Italie ou tous le monde était à fond). A noter aussi qu'au moins une cinquantaine de personnes se sont cassés à l'entracte, laissant une partie des sièges vides. Oui, Zorn est une figure récurrente new yorkaise et il n'y a rien d'exceptionnel de le voir jouer dans la big apple. Ca nous rappelle qu'on est pas forcément prophéte dans son pays. J'ai pu écouter Marc Ribot discuter avec quelques gars aprés le concert (il est vraiment sympa...) et John Zorn n'aime vraiment pas tout ce qui est hors contexte musical : il discutait avec des amis à lui sur le rebord de la scène puis il s'est empressé de filer quand 3 ou 4 pauvres bougres ont voulu se faire signer des trucs (j'ai assisté à la scène avec amusement tandis que je cherchais mon écharpe dans l'opéra aprés le concert) : c'est con, j'aurais bien aimé lui parler un peu. Next time i guess...

Cheers fellows !

ALVIN CURRAN - Lost marbles

2011-03-18T03:24:00.000-07:00

Alvin Curran a été le tout premier artiste signé sur Tzadik, un statut un peu à part donc au sein du label new yorkais, John Zorn ayant une haute estime du compositeur à priori. C'est une nouvelle fois sous l'impulsion de ce dernier que voit le jour ce "lost marbles", soit le disque des titres rares et perdus dans les archives et cartons de Curran. L'artwork est superbe, ça me rappelle quand j'étais gamin, on aurait vendu pére et mére pour être celui qui a le plus de billes. Le contenu est aussi beau que l'artwork je trouve, et "lost marbles" est un grand disque du genre dit expérimental. Ce que j'aime chez Curran, c'est que sa musique est décompléxé avant toute chose : on sent la réflexion, et que rien n'est gratuit. Pas d'improvisation déviantes, pas de bruitisme inutile, pas de volonté d'assommer l'auditeur dans un tourbillon regréssif. Uniquement du grand art, et ceux sur un disque remplis ras la gueule. Quelques compositions magnifiques au piano seul, quelques deconstructions cohérentes au sampler (c'est son dada de prédilection), et quelques ensembles philharmoniques bien pensés et subtils avec souvent du beau monde (Frith, Winant, etc...). Nettement supérieur à « Animal behavior », Alvin Curran prouve sur cet opus qu'il est bien l'un des compositeurs américain les plus captivant de sa génération...

RICHARD CRANDELL - Spring steel

2011-03-05T02:05:00.000-08:00

La mbira est un des instruments africains les plus anciens. De nombreuses légendes circulent au Zimbabwe concernant ses origines. La mbira trouve ainsi ses racines dans la mythologie africaine et dans la littérature historique des Shonas. La plupart des musiciens s’accordent néanmoins pour dire que l’origine de la mbira est un mystère, les nombreuses histoires provenant de l’histoire orale et du folklore des Shonas ne faisant que refléter la mystique qui entoure l’instrument et révéler les profondes associations existant entre la mbira et d’autres aspects de la culture shona. Des découvertes archéologiques suggèrent qu’elle était jouée au XVe siècle et probablement aussi au Xe siècle quand le peuple shona s’est installé au Zimbabwe. Il est néanmoins établi que cet instrument était joué au XVIe siècle à la cour de Munhumtapa. À l’époque, les musiciens jouaient de la mbira pour les rois et les devins shonas.

Second opus de Richard Crandell sortis en 2007, parfaite continuité du "Mbira magic" kroniké il y a peu. Nouveauté directement décelable : Cyro Baptista est présent sur quasiment tous les titres cette fois çi, et c'est vrai que c'est toujours un plaisir d'entendre son sang brésilien donner du rythme, surtout qu'on l'entend parfaitement sur cette oeuvre (au sein de l'electric masada, c'est un peu plus compliqué par exemple). Richard Crandell est un master de l'instrument africain : de dérives mélodiques en improvisations longues, il livre un sans faute, en nous sortant un disque ou minimalisme et émotion se rencontre. Venus droit de l'Oregon, Richard nous propose sans aucun doute l'un des disques de Tzadik le plus en phase avec les éléments de dame nature, une parfaite réussite une nouvelle fois.

RICHARD CRANDELL - Mbira magic

2011-02-26T10:10:00.000-08:00

La mbira est un des instruments africains les plus anciens. De nombreuses légendes circulent au Zimbabwe concernant ses origines. La mbira trouve ainsi ses racines dans la mythologie africaine et dans la littérature historique des Shonas. La plupart des musiciens s’accordent néanmoins pour dire que l’origine de la mbira est un mystère, les nombreuses histoires provenant de l’histoire orale et du folklore des Shonas ne faisant que refléter la mystique qui entoure l’instrument et révéler les profondes associations existant entre la mbira et d’autres aspects de la culture shona. Des découvertes archéologiques suggèrent qu’elle était jouée au XVe siècle et probablement aussi au Xe siècle quand le peuple shona s’est installé au Zimbabwe. Il est néanmoins établi que cet instrument était joué au XVIe siècle à la cour de Munhumtapa. À l’époque, les musiciens jouaient de la mbira pour les rois et les devins shonas.
Richard Crandell nous offre son premier disque pour Tzadik en 2004 en y jouant donc du mbira, dont vous trouverez plus d'infos çi dessus. Un opus qui m'a touché droit au coeur et qui demeure donc une petite perle scintillante dans la composer serie. Simplicité, sincérité, minimalisme et émotion, c'est assez incroyable tout ce que ce petit instrument peut dégager, les sonorités produites sont assez uniques. Le compositeur est evidemment un virtuose en la matière, et nous offre huit titres magnifiques de bout en bout. Bonne idée aussi d'avoir ajouter les percussions de Cyro Baptista sur certaines compos, pour donner un peu de corps à l'opus. La world music à son état minimale et pure, un superbe chapitre du label New yorkais...

JIM O'ROURKE - Terminal pharmacy

2011-02-26T09:13:00.000-08:00

Producteur reconnus, avant gardiste chevronné, guitariste à temps partiel de Sonic Youth, je vous la raconte pas trop avec Jim O' Rourke, vous devez connaitre si vous connaissez le label. La seule collaboration entre les deux parties date de 1995, date de création du label, comme pour se rendre service entre New Yorkais. Je me suis dit que ça devait résonner chouette, je suis passé complétement à coté du disque (et pas qu'un peu !). Des délires electro-acoustiques avec pas mal d'instruments qui joue en sourdine, pourquoi pas ? Sauf qu'il ne se passe souvent rien d'excitant, voir souvent rien tout court (de longues plages de silence ou de vibrations minimes). Puis ça dure sur une longueur infini ainsi, la première plage dure 43 minutes par exemple. Peut être certains y trouveront un semblant d'ambiant, mais il existe mieux dans le registre avouons le. Il reste surtout un disque assez long, qui a du mal à nous faire entrer dans un univers, ce qui est dommage car le potentiel était la. A évitez pour ce coup çi, ce qui ne remet pas en cause le talent de O'Rourke ceci dit qui a signé des collaborations trés intéréssante...

JOHN ZORN - Interzone

2011-02-15T12:39:00.000-08:00

87eme référence de la section Archival series, qui classifie tous les travaux de John Zorn, de ses début en 1973 jusqu'à aujourd'hui. Dernier disque du marathon Zornien puisque 12 nouvelles oeuvres étaient attendus en 2010. Encore un digipack bien chiadé concocté par Tzadik, collage, effet miroir, design futuriste et coté arty assumé pour dévoiler enfin un hommage de longue date prévus par Zorn à l'écrivain William Burroughs (ainsi que collégue de débauche Brion Gysin) dont le compositeur est fan depuis 1970.

"Comme si l'histoire d'un compositeur se renvoyait des signes d'une époque à l'autre, les albums Femina et Dictée avaient amorçé en 2010 le retour magistral de ZORN à la pratique des game pieces (Cobra, Hockey, etc), instituée à la fin des années 70 mais qu'il avait, engagé sur plein d’autres fronts, temporairement mis en suspens. Afin de tirer le meilleur parti du procédé, l'écriture s'inspire de son exécution, en réinjecte les envolées les plus fulgurantes et répond à un certain nombre de règles que viennent bouleverser des situations de jeux aléatoires. Tandis que la direction de l'orchestre se sert de cartes et de signaux pour une réactivité plus immédiate. Hommage attendu de JOHN ZORN aux écrivains de la beat generation, WILLIAM S. BURROUGHS et BRION GYSIN, Interzone est une œuvre de dimension épique éclatant ses scénarios en cut-ups entre ambiances morbides et science-fictionnesques, conspiration internationale du mensonge et tragédie froide, ce 3e volet (à la pochette argentée) nous fait déambuler dans le dédale des rues de Tanger comme dans celui, cauchemardesque et halluciné, du cortex de l'auteur du Festin Nu."

Petit résumé rapide issus du distributeur français, je manque un peu de temps en ce moment pour m'atteler à de longues explications en ce qui concerne les inspirations de ce disque. "Interzone" est dans l'ensemble un bon disque, et une performance Zornienne admirable sur le papier. Technique du cut up (déja appliqué à l'époque de Naked city) mieux respecté que n'importe quelle autre oeuvre, partie improvisées sauvageonnes digne d'un puissant game pieces, passages mélodiques superbes, immersion totale dans la biographie de Burroughs (des influences de sonorités issus de ces voyages et de son univers), Ce pan complet et massif de l'oeuvre Zornienne est assurément un chapitre marquant et déterminant de Tzadik. Cependant, j'émettrai une petite reserve globale : dans la technique du file cards, je préfére largement le disque "femina". Pourquoi ? les influences ne sont pas plus nobles, la musique n'est pas plus riche et complexe, le résultat est largement aussi aboutis que "Interzone". Mais on sent clairement une différence harmonique et de feeling grâce a des nouveaux musiciens (musiciennes en l'occurence) qui apporte une vrai originalité. Hors lorsqu'on voit le line-up de cet opus, On ne s'etonnera pas d'y entendre PARFOIS des riminiscences de l'Electric masada ou de The dreamers. C'est peut être le piège de travailler parfois trop souvent avec les mêmes performers : j'entends de suite Ribot, Dunn, Mori, Wollesen ou Baptista (Medeski remplacant au pied levé Saft) à la première écoute. Mais c'est surement la condition obligatoire pour enregistrer aussi rapidement une oeuvre aussi riche qu'Interzone. Mais bref, je chipote et fait mon pointilleux de merde, John Zorn nous mystifie la tronche en cette fin d'année 2010, et ce disque est tout simplement incroyable et unique en son genre...

MATTHEW WELCH - Blarvuster

2011-01-27T09:50:00.000-08:00

Jeune compositeur résidant à New York et ayant étudié sous l'égide d'Alvin Lucier et D'anthony Braxton entre autres. L'instrument de prédilection de Matthew, c'est la cornemuse traditionnelle (il en existe des centaines différentes en fait quand on se renseigne) d'origine écossaise, un instrument trés peu exploiter dans le sillage de Tzadik. Je pense que c'est une bonne chose pour les fervents d'écletisme musical quand j'annonce que "Blarvuster" n'a strictement rien à voir avec "dream tigers" sortis précédemment sur Tzadik. Welch repousse ses limites en tant que compositeur, s'inclut dans le lot des musiciens, et surtout pousse sa vision musicale encore plus vers le collectif ; pour tout dire, Blarvuster est le nom du groupe qui l'accompagne en tournée (pas mal de musiciens de la dowtown scene). 7 titres (dont un morceau de 30 minutes) tous assez bizarre dans leur conception, puisque on assiste à un mix assez bien digéré de modernité et de tradition. Ca se traduit par de la world music écossaise (flirtant toujours de manière récurrente avec l'esprit celtique), les morceaux étant appliqué avec la construction rythmique du rock, assez brute de décoffrage, avec une section basse/guitare bien présente, et un batteur (nul autre que Ches Smith d'ailleurs) assez monstrueux. L'ensemble se couple avec flûte, violon ou piano, ou se dégage une parfaite harmonie sonore et des mélodies vraiment superbes. Puis il y a le cas de Matthew en lui même : lorsque il pratique la cornemuse, c'est véritablement superbe, le rendu instrumental est d'une grande richesse. En revanche, son chant d'influence asiatique m'a laissé parfois perplexe : déplacé dans le cadre d'un tel mariage des genres, sonnant parfois forcé et gauche, je n'ai pas été forcément convaincu. Reste cependant un "Blarvuster" musicalement de haute volée, qui pourrait ravir autant les fans de secret chiefs 3 que ceux de d'Alan Stivell qui visiterai le japon...

JOHN ZORN - Filmworks XV (Protocols of Zion)

2011-01-17T14:05:00.000-08:00

http://www.critikat.com/Les-Protocoles-de-la-Rumeur.html

MARIA RADUCANU - Ziori

2011-01-13T13:15:00.000-08:00

C'est avec une grande satisfaction que j'alimente la serie Oracles (dédiés aux travaux des femmes dans la sphère des musiques expérimentales) de ce nouveau volume. Premier disque officiel de Maria Raducanu sur Tzadik (et 8eme de sa discographie selon les commentaires), vocaliste roumaine de renom. Les 11 titres présent sur ce "ziori" s'articule autour du blues, du fado (chant mélancolique portugais généralement accompagné par des instruments à cordes pincées) et d'improvisation. Je ne suis pas un fervent des oeuvres vocales pures (voir les oeuvres Mycale, Muna zul, etc sur ce même blog). Mais dés que j'ai vu que la chanteuse avait eu la rude bonne idée d'engager Marc Ribot à la guitare sur tous le disque, j'ai su que ce dernier allait tenir la baraque à frites. La subtilité de Ribot tient au fait qu'il a su se mettre au service de la voix de la roumaine, et non Maria qui couvre le jeu impeccable de gratte. Cette guitare sombre, profonde, parfois tendu, c'est un véritable délice des oreilles (Ribot est vraiment l'un des meilleurs gratteux du monde). Puis il y la voix de la chanteuse qui s'éxecute en roumain : nous sommes vite happé par cet univers lyrique qui comporte autant de passages tristes que torturés. "Ziori" est l'un des meilleurs chapitres de la série Oracles qui m'ait été donné d'entendre. Son minimalisme lyrique et le jeu de guitare devrait plaire aux amateurs du label new yorkais...

ARNOLD DREYBLATT - Who's who in central & east Europe 1933

2011-01-11T14:12:00.000-08:00

Un projet datant de 1991, interprété sur scène jusqu'en 1997 un peu partout en Europe, réclamé sur disque par John Zorn en 1993 et qui voit le jour sur tzadik en 2010. Voila comment résumer chrono logiquement une oeuvre parmi les plus bizarres et étranges de la section Radical jewish culture. Pour vous la jouer assez simple (et sachant que je suis assez fatigué ce soir), c'est une oeuvre de spoken-word aussi riche vocalement qu'assez minimaliste (pauvre ?) musicalement. Basé sur un "who's who" couvrant l'Europe de l'est en 1933, ouvrage qu'Arnold Dreyblatt a dégoté en 1985 dans une librairie d'occasion à Istambul (ca va cherché loin tout de même). Le Who's who, livre archi connu qui a traversé le temps, couvrant la vie de "célébrité" plus ou moins voulu, avec différents degrés de notoriété. Le cas présenté ici concerne evidemment des personnes antérieur à 1933 en Europe de l'est. Un concept un peu barré, avouons le. Plusieurs vocalistes homme ou femme se succédent pour réciter des noms, raconter des histoires, faire du témoignage auditif, sur fond d'ambiant sonore vraiment désuet. Honnêtement, je n'ai pas trop accroché. Un chapitre anecdotique, je prefére largement le "animal magnetism" du même auteur sur le label New Yorkais...

JOHN ZORN - Filmworks XIV (Hiding and seeking)

2010-12-30T06:31:00.000-08:00

GABRIELE COEN "JEWISH EXPERIENCE" - Awakening

2010-12-28T23:54:00.000-08:00

Premier opus du compositeur italien Gabriele Coen pour le label Tzadik, dont il est visiblement plus que fier d'intégrer la radical jewish culture. C'est à ce juste titre que ce dernier délaisse un peu le jazz traditionnel pour nous plonger dans une « jewish experience » riche et luxuriante à souhait. Aucun des dix titres présents ne passe en dessous de la barre des 6 minutes, preuve indéniable de compositions complexes et inventives ou se méle l'art d'écriture de Coen et le talent d'improvisation des musiciens (5 en tout, plus quelques guests). Qu'il ne s'agisse du guitariste, du pianiste ou de Gabriele Coen avec son saxophone (ou clarinette), tous connaisse leur quart d'heure de folie dans des solos endiablés absolument jouissif. L'atmosphère se veut tantôt klezmer traditionel, tantôt jazz posé, ou parfois plus exotique avec la présence de percussions, congas, bongo, etc....Comme nous l'indique John Zorn, il s'agit d'un des meilleurs chapitres de jazz juif que le label a pu sortir, et force de constater qu'il a raison, ce disque est un must-have de la section qui devrait ravir tous les lecteurs de ce blog, moi le premier...

JOHN ZORN - Filmworks XIII (Invitation to a suicide)

2010-12-28T23:21:00.000-08:00

Poursuite retrospective de la serie des filmworks de John Zorn, débuté en 1986 et se poursuivant inlassablement de nos jours. On retrouve tout cette serie dans la archival serie de Tzadik, qui couvre tous les enregistrements que sort le compositeur new yorkais de nos jours. Le Filmworks XIII date de 2002, et demeure le dernier chapitre de la trilogie couvrant un seul et unique film.

« Invitation to a suicide » est une comédie noire de Loren Marsh, dont nous n'avont jamais vraiment entendu parler de par chez nous, contrairement à des classiques du genre comme « Fargo » des fréres Cohen. L'histoire raconte comment un jeune immigrant polonais très pauvre vendra des tickets pour le show de son suicide programmé (une pendaison) afin de sauver son pére dont la tête est mise à prix 10 000 $ par un mafieux russe. Un film qu'il faudra que je visionne prochainement, si l'un d'entre vous l'a vu, qu'il nous donne son impression.

John Zorn nous fait son méa culpa dans le livret en avouant qu'il est de moins en moins tenté de jouer du saxophone, car il pratique depuis longtemps et que la surprise est de moins en moins présente, soit tout l'inverse de la phase de composition, qui continue à le passionner de manière croissante avec les années.
Un coup de téléphone du realisateur qui souhaite travailler avec Zorn. La particularité, c'est qu'il souhaite avoir la musique avant le montage, pour parfaitement adapter la musique aux images, dans la tradition Morricone/Leone entre autre. L'idée ravis le compositeur new yorkais, mais la vision des rushes ne le convint guère : il n'est pas familier du genre comédie et ne capte pas l'essence du film pour en faire une bonne bande son. Il commence à réfléchir, écouter certains de ses travaux avec Marsh, puis délaisse le projet pour d'autre occupations. Quelques semaines passent, Zorn a quelques remords et doutes, les images du film reste dans sa tête. Il commence à re-travailler les compositions, change quelques notes par çi par la, modifie quelques harmonies et rythmiques, puis tout s'éclaire, il pense enfin tenir les bonnes partitions. Appel aux musiciens, coup de bol, tous le monde est dispo, rendez vous pris au studio de Jamie Saft le lendemain. Zorn est un travailleur acharné, apparement même assez stricte et laborieux avec les musiciens en leur demandant une concentration de tous les instants et une loyauté « inconditionnelle ». On notera cependant que le cercle des musiciens de Zorn revient toujours aussi, prouvant ainsi sa loyauté et soutien envers ses collaborateurs et amis. L'intensité et l'alchimie musicale fut apparemment au dela de toute espérance sur ce filmworks : le groupe joua comme si il l'avait fait durant des années. Trevor Dunn est parfait à la basse, Erik Friedlander apporte un lyrisme mortel au violoncelle, Kenny Wollesen apporte une facétie superbe au marimba et percussions, Ribot est un génie comme d'hab'. L'intégration pour la première fois de Rob Burger à un filmworks est brillante, son accordéon apporte une touche unique à cette bande son (on le retrouvera assez souvent par la suite d'ailleurs). Au final, dix huit titres absolument géniaux d'un lyrisme bouleversant, le final du disque est quand à lui...surprenant (disons que Trevor Dunn n'a pas du être dépaysé (lol). Bref, un classique Zornien comme on a coutume de dire...

Le mot de la fin pour John Zorn
« Conduire cette musique fut un enthousiasme spécial réservé à ce qu'on appelle un moment « clé ». Ils ont été peu nombreux dans ma vie : finir « Lacrosse » mon premier game piece, la longue semaine d'enregistrement de « Spillane », ecrire les premières Harcore pieces de Naked city, en studio en enregistrant « Kristallnacht », le premier concert de Masada, ou composer mon concerto pour violons « contes de fées ». Ces beaux moments semblent magique, peut être inspirer divinement. Quand nous avons quitté le studio cette nuit la, chacun savait que quelque chose de très spécial s'était déroulé. Cette musique n'est pas seulement l'une de mes meilleures bandes sons, c'était un de ses « moments ». »

JOHN ZORN - Filmworks XII (Three documentaries)

2010-12-10T05:45:00.000-08:00

Poursuite retrospective de la serie des filmworks de John Zorn, débuté en 1986 et se poursuivant inlassablement de nos jours. On retrouve tout cette serie dans la archival serie de Tzadik, qui couvre tous les enregistrements que sort le compositeur new yorkais de nos jours. Le Filmworks XII date de 2002, et couvre trois documentaires différents d'ou l'appelation "three documentaries" (Second volume d'une serie de 3 filmworks sortis à la suite en 2002)

Le premier documentaire est réalisé par Charles Dennis et fête les vingt ans d'un club du East village de Manhattan, le ps 122 ("performance space"), spécialisé dans la danse. Un club que Zorn a apparement pas mal fréquenter dans ses jeunes années pour ses travaux avec des danseurs, des festivals d'improvisation, et même la première de son game piece « darts » qui eut lieu en 1983. Le staff du club a toujours apprécier sa musique, et c'est donc en tout bien, tout honneur que Zorn réalisa la bande son de « Homecoming ». Différentes rythmiques, atmosphères et textures furent créer pour tout coller à l'univers de la danse. Une pointe de minimalisme perdure sur « the well tuned... » même si le compositeur déclare avoir été à contre courant de ce mouvement en offrant tout au long de sa carrière une approche plutôt maximaliste et un mélange volontaire des styles. Zorn reconnaît cependant avoir été influencé dans les galeries de Soho et Oddball par les cadors du genre (Phillip Glass, Steve Reich, LaMonte Young et Terry Riley) et qu'on peut reconnaître des touches minimalistes et répétitives dans certaines de ses oeuvres. Magnifique titre d'ouverture avec Jennifer Charles qui nous gratifie de son unique et magnifique voix (ça ressemble à du Reich effectivement). Puis quatre titres typés danse effectivement, avec Mark Feldman au violon, Zorn à l'orgue et au piano, et un featuring de Jamie saft au piano sur un titre. Pas incontournable, mais une bande son qui doit parfaitement collé au sujet...

A l'inverse de « Homecoming », John Zorn paraît un peu évasif et douteux sur le documentaire « Shaolin Ulysses », dirigé par Martha Burr et Mei-juin Chen (avec qui il a déjà bosser sur « Hollywood hotel » (1994, filmworks III)). Le compositeur n'arrivait pas à se faire un avis positif sur le documentaire : raconter l'insertion et la nouvelle vie de moines Shaolin venus immigrer aux USA, ça aurait pu être une belle histoire. Mais ces derniers vivent désormais à Brooklyn, au Texas ou à Las Vegas, le documentaire tombe apparement dans le stéréotype et la caricature. De plus, le montage final ajoutera beaucoup d'autres musiques (issus du nouveau mode de vie des moines, on y retrouve donc de la salsa, du hip hop, de la musique traditionnelle chinoise ou du jazz), ce qui ne plait pas vraiment à Zorn qui trouve le documentaire un peu gaché. A titre personnel, le compositeur est cependant très satisfait de son boulot : les riminiscences asiatiques du Filmworks VIII ayant été réussis, on appréciera le retour de Min Xiao-Fen avec sa pipa, qui se livre sur 23 titres à un grand duel avec la guitare de Marc Ribot, magistral une fois de plus. Roberto Rodriguez et Cyro Baptista aux percussions et la première incursion de Trevor Dunn à la basse sur un filmwork, qui mine de rien fait un boulot colossal sur ce documentaire. « Shaolin Ulysses » est d'ailleurs un brillant exemple du génie de Zorn de manier différents styles : sur une base asiatique (le fabuleux titre d'ouverture digne d'un Morricone), les titres évoluent vers des contrées lointaines, tantôt hispanique ou brésilienne (« shaolin mambo » »shaolin bossa »), et n'oublie jamais d'être au service de l'émotion quand il le faut (« temple song » « nostalgia »). Une bande son sublime dans le genre, une vraie réussite pour le 7eme art qui aurait pu d'ailleurs s'adapter à beaucoup d'autres films...

Morton Bartlett est un photographe underground new yorkais marginal, toujours plus ou moins dans l'ombre de Henry Darger, et ceux malgrés des travaux uniques et personnels. Son dada ? La conception et fabrication de poupées avec des vêtements cousus mains, mise en situation, puis photographiées avec des jeux de lumières pour rendre une vertue dramatique à un objet à priori innocent (cf : artwork de ce filmworks entre autre). Orphelin, il ne se serait jamais marié, et aurait vécus seul durant quasiment toute sa vie; Décédé en 1992, ses oeuvres furent découvert aprés sa mort. John Zorn découvre ses travaux dans une galerie d'art new yorkaise au milieu des années 90, et devient rapidement ami avec Marion Harris, une femme qui s'occupe de vendre et manager l'héritage de Bartlett (une des poupées se serait vendus 110 000 $ en 2008). Lorsque cette dernière lui apprend que sa fille prépare un court documentaire sur Morton Bartlett, il propose rapidement ses services pour en faire la musique. Peu d'informations sur ce « Family found », on peut en déduire la durée étant donné la bande son fournie par John Zorn, un seul et unique titre décliné en quatre variantes : la première voix et violoncelle su-bli-me (avec de nouveau Jennifer Charles, elle était en studio, Zorn l'a exploité à fond à priori), puis trois variantes superbes au violoncelle proposé par le coutumier Erik Friedlander, eternellement bon dans son registre...

Trois documentaires, trois univers, trois bandes sons différentes, Zorn se montre eclectique et inspiré sur un volume brillant de la série des filmworks...

JOHN ZORN - What thou wilt

2010-12-09T02:31:00.000-08:00

14eme volume des chamber works proposé par John Zorn, placé dans les rangs de la composer serie, au même titre que tous les compositeurs Tzadik. Pas vraiment de nouveautés, mais 3 pièces plus ou moins datés dont les partitions trainées dans les cartons, et furent toute enregistrés en 2009/2010 afin de les rendre enfin disponible au grand public.

On démarre par « contes de fées », pièce d'opéra composé en 1999, et enregistré dix ans aprés sa création aprés que celle çi fût interprété de nombreuses fois dans le monde entier. L'une de ses meilleures versions selon John Zorn, qui avoue l'avoir retravaillé de nombreuses fois avant d'en conclure une version définitive. Une des rares pièces qui fût commissioner (écrire des travaux sur demande moyennant rénumération), car John Zorn n'apprecie pas particulièrement ce procédé, et préfére écrire selon ses propres termes et envies. Le compositeur avoue qu'il s'agit d'une de ses compositions les plus rigoureuses, dramatique et complexe en même temps. On peut accentuer le coté dramatique, car « contes de fées » sera composé juste aprés le décés de sa mère, tout comme la pièce « aporias » (qui regroupait aussi un très large orchestre, voir kronik correspondante) fût elle composé juste aprés le décés de son père. Les passages tristes d'une vie inspire Zorn à écrire ses travaux les plus émotionnels sous la forme de musique classique, et « contes de fées » est une vraie réussite dans le genre.
La seconde composition de 22 minutes a pour titre trois points disposé en triangle afin de se référer au mysticisme de Crowley et Masonic, et le sous titre « fay çe que vouldras » est une traduction française du « do what thou wilt » issus aussi d'Aleister Crowley (et repris comme titre du disque donc)(La phrase « fay çe que vouldras » est tirée à l'origine du Gargantua de Rabelais ; elle y est le précepte de l'Abbaye de Thélème). Seconde pièce exclusivement au piano aprés « carny » en 1989, egalemment inteprété par Stephen Drury, qui est vraiment un grand pianiste moderne. Véritable tour de force, la pièce se révèle autant technique qu'émotionnelle, on se laisse facilement emporter par le tourbillon intense et rituelle d'une telle performance.
Dernière composition de 6 minutes « 777 » (nothing is true, everything is permitted), qui nous montre une fois de plus l'affection de Zorn pour la numérologie, qu'on retrouve en terme technique içi (le temps et rythme), puis une allusion non voilé au fameux « 666 », hommage une nouvelle fois à Crowley (décidément). Le sous titre est l'aphorisme connu d'Hassan I sabbah (voir wiki, par ailleurs un excellent groupe obsur de hardcore sauvage des 90's). Une composition pour un trio de violoncelles qui vire à la démonstration, et qui est un peu épuisante à mon goût...

MARTY EHRLICH - Fables

2010-12-09T02:22:00.000-08:00

Marty Ehrlich nous offre son second disque pour le label Tzadik, aprés « Sojourn » que je ne possède pas encore, donc je me garderai bien de faire un comparatif entre les deux. Figure new yorkaise importante du jazz, multi insrumentaliste reconnu, Marty célébre ce disque en appelant son ami de longue date Hankus Netsky (fondateur du conservatory klezmer band, et professeur au Hampshire college) afin de mélanger les racines du jazz et la tradition juive. Un concept qui a déjà certes été exploité sur la radical jewish culture, mais le duo formé par les deux hommes est un véritable plaisir à entendre. Les deux compères y alterne les instruments (clarinette, flûte et saxophone pour Ehrlich, piano et accordéon pour Netsky), Marcus Rojas apparaît au tuba sur quelques morceaux, ainsi qu'un bassiste sur un morceau. Outre ces talents de compositeur, on admettra aussi que c'est Marty Ehrlich qui dirige la barque, car selon qu'il empoigne sa clarinette ou son saxo, le morceau sonne soit plutôt klezmer, soit plutôt jazz. « Fables » est un sympathique album, assez classique pour la radical jewish culture de Tzadik.

JOHN ZORN - Filmworks XI (Secret lives)

2010-12-05T05:13:00.000-08:00

NAKED CITY - Black Box (Torture garden/Leng tch'e) (20th anniversary edition)

2010-12-01T11:14:00.000-08:00

On a donc pu remarquer le mois dernier voir apparaitre la réédition de la black box de Naked city, 20 ans aprés sa sortie originelle (le même artwork, avec seulement mentionné en dessous "20th anniversary edition"). La version d'origine était à priori sold out via Tzadik, et avait pour principal différence d'être un double album : cette nouvelle édition est un simple disque remplis à ras bord, avec exactement le même tracklisting.

Je ne vais pas détailler particulièrement "Torture garden", car la plupart des lecteurs de ce blog le connaisse d'une part, puis il y a les kroniks respectives dans la section du groupe.
"Leng tch'e" et sa réputation sulfureuse doit egalement parler à tous le monde : inverser la tendance des Hardcore pieces, et jouer un unique morceau agonisant, lourd et malsain de 32 minutes, quasi précurseur des notions de sludge et de doom, ayant pour inspiration le lingchi, ancienne torture chinoise, surnommé aussi " mort des mille coupures », soit entailler et retirer successivement des parties et des membres du condamné avant de lui trancher la tête. L'utilisation d'opium permettait aux bourreaux de maintenir en vie le supplicié plus longtemps. Une notion de douleur que le groupe essaira de retranscrire avec brio sur bande, Zorn ayant été marqué par "les larmes d'Eros" de Bataille, qui lui même avait été traumatisé par les dernières photos en date de lingchi avant son abolition en 1905.

Je posséde la box studio de Naked city, mais ne possédait pas la première version de cette black box (qui avait été surnommé ainsi face à un artwork trés sobre pour compenser les attaques incessantes dont était victime le groupe sur les artworks d'origine jugé choquants). On y apprend beaucoup de choses interessantes et inédites dans les notes de Zorn datant de 2010, dont voici furtivement quelques points (le livret est assez fournit et demeure à lire pour les fans)

1. "Torture garden" est un des grands moments marquants de la carrière du compositeur
2. "Leng tch'e" a peu été joué en live. Le groupe l'a pourtant fait en 1990 au festival de jazz de Montreux, et les amplis et lights seront coupés par l'organisation au milieu de la pièce, pour calmer l'audience grondante et indigné...
3. Les licenses de Torture garden pour shimmy disc et Earache n'ont rapporter aucune royalties à Zorn, il voulait avant tout faire connaitre Naked city au plus grand nombres de fervents de musique extrême...
4. les artworks d'origines des deux oeuvres (bondage japonais et photos de torture par lingchi) furent largement censuré (féministe, communauté asiatique, douanes à l'export), d'ou la necéssité de créer une boite noire d'extérieur pour eviter de choquer.
5. Zorn a voulu rééditer les artworks d'origines pour cette edition, et les imprimeurs américains ont tous refusé (!!). C'est assez consternant, et le boss de Tzadik est trés peu satisfait de l'aspect graphique du disque. Heug heug Chin a donc composé entre quelques images du premier disque, et des photos bondage/torture camouflé, etc...Pas une catastrophe graphique (c'est plutôt beau en fait), mais l'impact visuelle n'est pas forcément en adéquation avec le choc frontale de la musique de Naked city.
6. Un recit un peu détaillé des inspirations de Zorn pour ces deux oeuvres respectives du point de vue des artworks...

Puis d'autres choses, vous vous en doutez...Un classique a posséder de toute façon. "Every 15 years, Naked city make other bands sound fat and lazy" clamait ce bon vieux Patton. Il a pas vraiment tord quand t'ecoutes cet opus...

Tzadik artists advices...

2010-12-01T11:12:00.000-08:00

Sur le site de Tzadik, vous trouverez une nouvelle section ou des artistes du label vous conseille sur tel ou telles oeuvres du massif catalogue. Instructif et sympa !

JOHN ZORN - Filmworks X (In the mirror of Maya Deren)

2010-11-28T08:31:00.000-08:00

La section Archival series est, comme son nom l'indique, une sous division de Tzadik crée à l'époque pour rééditer tous les travaux de Zorn diffcile à trouver dans leur première édition (aujourd'hui, Zorn y publie l'intégralité de son oeuvre, et pas seulement des archives). Le filmworks X est la musique d'un documentaire couvrant la vie de la réalisatrice d'origine russe Maya Deren, sortis en 2001.

Fille d'un psychiatre juif émigrant aux États-Unis en 1922, elle fait ses études en Suisse et à New York. Licenciée en arts, elle débute dans le journalisme et s'occupe de danse, de poésie puis d'anthropologie. Elle fait la rencontre du cinéaste Alexander Hammid avec qui elle réalise Meshes of the Afternoon en 1943, marquant un avant-gardiste américain proche de Cocteau. Ses films de chambre qui suivirent incorporent de plus en plus la danse ou l'expression corporelle. Grâce à une première bourse décernée par la fondation Guggenheim, elle fait des recherches sur des rituels vaudous en Haïti, qui en résultera un livre Divine Horsemen (1953) et un film de 5 heures, que la mort l'empêchera de monter. Elle est l'auteur d'un recueil de texte sur l'art, la forme et le film. Avec Amos Vogel, elle crée la Creative Film Foundation puis en 1953, elle participa à l'existence éphémère de l'indépendant Film-makers Association, première tentative de regroupement des cinéastes expérimentaux américains. elle décédera en 1961 à New York.

lorsque Martina Kudlacek décide de réaliser un documentaire sur cette personnalité importante de l'underground new-yorkaise, elle avoue être trés nerveuse car elle sait l'importance d'une bonne bande son au sein d'un film, qui peut changer le rythme, la perception du spectateur ou la qualité emotionnelle de la narration filmique. Elle possède un exemplaire de "taboo and exile", dont l'artwork se rapproche assez facilement de l'univers de Maya Deren. Le choix de John Zorn s'avère être une evidence : Il est new yorkais (comme elle même), ami avec Henry Hills (qu'elle connait bien aussi) et demeure fan de l'univers de Maya Deren.

De son coté, John Zorn a de suite été emballé par la proposition, et s'attela à proposer des travaux émotionnellement fort. La base de travail fût simple à trouver : exploiter les racines juive de la réalisatrice (née en Russie, parents immigré juif), sa fascination pour les rituelles et la danse (particulièrement les rituels vaudou en Haïti) et son amour pour la musique classique. Zorn decida de conserver le line up du filmworks précédent, à l'exception de Chris Speed qui fut remplacer par Erik Friedlander. Jamie Saft au piano et orgue, Cyro Baptista aux percussions et Zorn lui même aux percussions et piano sur quelques titres, qui avouera que créer ce disque sera un véritable plaisir pour lui.
15 titres absolument magnifique ressortiront de cette session, naviguant entre musique classique, easy listening, percussions haïtiennes, gamelan indonésien et atmosphère rituelle vaudou collant parfaitement avec les films de Maya Deren, que John Zorn connaissait sur le bout des doigts de toute façon.

L'un des filmworks les plus populaires des Zornologues, et certainement l'un des plus beau lyriquement parlant, c'est un véritable chef d'oeuvre qui n'a aucune emprise sur le temps, et que Maya Deren aurait elle même apprécier, on peut en être quasiment sur...

MASADA MARATHON - Teatro Manzoni, Milano, Italy (08/11/10)

2010-11-13T08:16:00.000-08:00

Si je peux certes donner mon modeste avis sur quelques disques glaner par çi, par la, je deteste faire les lives reports, je me sens tout simplement mauvais dans cet exercice. De plus, ne vous étonnez pas de commentaires idiots et futiles de ma part, ainsi que du manque de détails ou de ne pas enjoliver le recit, tout ceci est NORMAL ! (don't like it, don't read it !)

Sinon, en tans qu'habitant du sud de la France, j'ai eu la chance d'aller au Masada marathon donner en première européenne à Milan, Italie. Arrivé dans un quartier bien huppé (Gucci, Versace, Dior, etc...), On rencontre des français dans le resto en face du theâtre qui se sont déplacé de Paris. Un solide apéro et une magnifique herbe nous mettra du baume au coeur à l'entrée (en gros, on était au taquet) : Le teatro Manzoni est un magnifique endroit à l'italienne (faites travaillez votre imagination), et l'acoustique fut parfaite pour toutes les formations. A noter que je ne suis plus tout à fait sure des ordres de passage, la réponse à ce fait trois lignes au dessus...

Masada quartet : John Zorn en treillis qui présente ses potes, Dave Douglas en béret, 20 premières minutes qui nous font direct rentrer dans le bain, la magie masada se met en branle. Des stop and go de fou, Zorn qui s'agite à faire des signes, un Baron plus que monstrueux, le summum du jazz moderne à son sommet. Standing ovation dés la fin des 3 premiers titres. Mes potes étaient bouches bées, je me sentais comme un totem érotique...Ca démarre fort !

Sylvie Courvoisier et Mark Feldman : Je les ai vu il y a pas longtemps en première partie de l'Aleph trio à Paris en mai dernier, donc pas de grosse surprise. Quatre titres de Malphas joués (les 4 premiers il me semble), leur cohésion musicale (quasi sexuelle en fait...) est impressionnante. J'aime beaucoup quand Sylvie donne des coups de poings sur le piano, ça résonne à mort, c'est presque heavy.

Banquet of the spirits : une vrai surprise pour tous le monde puisque leur book of angels n'est pas sortis pour le moment. Le quatuor ne s'est pas laissé démonter, sous l'égide d'un Cyro Baptista presque hystérique par moment : il nous a sortis des percussions de dingue que même Macgyver n'oserait fabriquer. Shanir bidule est incroyable, que ce soit avec sa basse ou son oud (quel solo d'intro !). Un combo avec une cohésion passionnante, pour plusieurs titres de World music digne de ces disques sortis sur la key series de Tzadik. Une des meilleures prestations milanaise, assurément...

Mycale : Zorn vient lui même leur installer leur micro, en papa-compositeur qu'il est. Les demoiselles arrivent avec des robes pastels qui piquent au yeux. Le premier titre fut celui ou Malika Zarra lance des "je tourbillone" (me demandez pas le titre, je ne m'en souviens plus...). Leur prestation était plus intéréssante que sur disque, même si les 3 titres m'ont amplement suffis pour me faire une idée. Ayalet Rose est la plus canon des quatres, et demeure étrangement mise en avant dans la composition (des solos, lancement des rythmiques...). A l'inverse, Baysa Schecter est prodigieusement écarté, on la remarquait à peine dans le flow des trois autres...

Medeski, Martin & Wood : Présenté furtivement par Zorn. Billy Martin est un bon batteur, qui pourrait faire un malheur dans un groupe rock à tendance progressif. Malheuresement, il est accompagné par Chris Wood, l'homme qui se dandine comme un ver de terre homo avec sa basse, et John Medeski qui nous a sortis des solos insupportables et criards au possible. Je deteste "Zeabos" et je deteste ce trio. La fin du set de trois titres sonna comme la libération de 1945 pour moi, mais ne soyons pas trop injuste, leur présence nous permit d'aller acheter quelques bières au bar sans faire la queue...

Masada string trio : Le trio en face de Zorn, assis à terre face à eux. C'est beau. Il se passe vraiment quelque chose quand ces trois la se réunissent. Ils avaient de quoi faire puisque ils sont les auteurs de deux book of angels, je n'ai aucune idées des titres qu'ils ont joués, mais ça l'a terriblement effectué. Zorn dirigé le tout, donnant le signe pour d'eventuels solos, et accompagnant les compositions que les musiciens lisent de toute façon à la partition. Mais il apporte un support presque moral pour ses potes, puis peut provoquer d'éventuels débordements (surtout lors de la conclusion) au sein d'une gestuelle codifiée et theâtrale qui apporte un indéniable plus en concert.

10 minutes d'entracte. C'était un peu mesquin, mais le concert a duré de 21 h à quasiment 1 heure du mat', donc on le comprendra. Les gars du bar, eux, ont rien compris à ce qu'ils leur arrivaient en revanche...

The dreamers : Enfin je réalise un vieux fantasme en voyant enfin cette formation que j'affectionne tant. Que dire de plus ? que c'etais magique, beau, émouvant ? Eh bien, ça l'était ! Ce sont les 3 premiers titres d'"Ipos" qui furent joués. Par contre, l'expérience est donc purement déceptive à ce niveau la, j'aurais aimé un set complet, celui çi n'a pas duré plus de 3 minutes dans ma tête. Marc Ribot est un monstre. Kenny Wollesen fait un peu le spectacle car son vibraphone est au centre et proche du public. Trevor Dunn avait une chemise horrible (mais le revoir nous a rappelé ce moment historique de Fantômas jouant au ATP). Zorn dirige aussi, même si c'est un petit peu plus inutile que pour les trois autres sets "directifs".

Bester quartet : Les mecs sont venus de Pologne, on a quand même été gaté au niveau de la programmation de ce marathon. Le set dans mon souvenir fut rapide niveau tempo, et bien exécuté. 4 titres, surement issus de "Balan" j'imagine. On ne voit pas trop le changement par rapport au Cracow Klezmer band, hormis quelques musiciens différents.

Erik Friedlander : qui s'attela à jouer quelques titres de "Volac". Ce fût excellent aussi, et le mec ne se démonte pas puisque c'étais la seule prestation solo de la soirée. Erik sait la jouer fine et émotionnelle. Mais quand il s'énerve, c'est une prestation autant visuelle qu'auditive. C'est passé super vite pour moi, et le public semble avoir bien apprécié aussi...

Bar Kokhba : avec les dreamers, certainement le plus beau set de la soirée. "Lucifer" est à l'honneur, ce qui tombe bien puisque c'est le meilleur volume de la série. Tout simplement renversant. Pas plus de détails à donner malheuresement, un concert de cette trempe se vit et ne se décrit pas. Zorn a un impact considérable dans l'art de conduire les morceaux de cette formation, surtout la section à cordes. Quelle classe atomique, bordel !

New Klezmer trio : Peut être parce que j'accusais un peu le coup à cause de la fatigue et de l'alcool ingurgité, mais leur set m'a paru mou et un poil longuet. Wollesen est un bon batteur, pas de doute la dessus, Greg Cohen a plus fait acte de présence qu'autre chose à l'inverse du masada string trio ou il demeure un élément plus qu'important. Et Ben Goldberg est certes bon dans son registre, mais aprés toute ses prestations brillantes et énergique, sa pauvre clarinette a eu du mal à passionner l'assistance. Sa place dans la programmation ne fut peut être pas des plus judicieuses...

Electric Masada : Le big band s'installa assez vite, ils devaient pas être spécialement en avance. Comme pour The dreamers, est ce que j'ai besoin de vous vanter les mérites du truc ? La double batterie, et la masse sonore fût la plus puissante de la soirée, en toute logique. Ikue Mori fera donc sa bréve apparition pour trois titres (tous présent sur "at the mountains...") et une vingtaine de minutes. Zorn est présent, dos au public, dirige et s'époumone dans son saxo comme pour nous achever. Le set est fini, standing ovation, tout le monde est debout. Tous les musiciens débarque sur scène, ils sont une chiée, c'est la que tu te rend compte de la logistique monstrueuse de ce marathon (et ne parlons même pas du cachet, alors que les places valaient 20 euros et qu'il y avait 1500/2000 personnes a tout casser, comme fait le theâtre ?). Le public hurlera pour un rappel, Zorn vient et hurle un truc du genre "on peut pas, désolé..." entre les applaudissements et les cris. Ce sera le final d'une méchante soirée, avouons le tendrement.

Cheers !

JEREMIAH CYMERMAN - In memory of the labyrinth system

2010-10-28T09:20:00.000-07:00

Résidant de Brooklyn, Jeremiah Cymerman est un jeune artiste qui a décidé de créer et developper son propre language sonique à la clarinette, notamment en matière de technique de jeu, de placements des micros et de l'édition et manipulation de Pro tools. Sa vision musical s'interdit beaucoup de choses d'ailleurs, de l'enregistrement qui se passe par réverbération ou compression incongrus, ou l'interdiction d'utiliser un son traditionel à la clarinette (uniquement des techniques d'extension pour aboutir à des sons non traditionnels). Le résultat lui permit de faire quelques prestations dans les lieux expérimantaux new yorkais (roulette, Issue project room) et bien entendu au Stone de Manhattan, antre de John Zorn qui assista à une prestation et qui s'empressa de signer le kid. Guère étonnant dans le fond : l'art de developper un language précis avec un instrument, John Zorn l'a fait quinze ans avant au saxophone avec son "classic guide to strategy". L'univers de Cymerman est cependant plus noisy (des sonorités limite agressives parfois) et moins talentueux (des techniques basés sur les éléments extérieurs et non la dextérité). Si le disque démarre correct avec un aura sombre, il casse vite les couilles et tourne finalement en rond dans la surenchère de grésillements. Pour les amateurs hardcore de clarinette barré...

MORTON FELDMAN - Patterns in a chromatic field

2010-10-24T03:49:00.000-07:00

Morton Feldman, compositeur néo-classique avant gardiste américain né en 1926 et décédé en 1987. La pièce "patterns in a chromatic field" est déstiné à deux musiciens : un pianiste et un violoncelliste. Je précise ce fait car il existe apparement une autre version de cette pièce via un autre disque qui contient deux autres interprètes. Celle de Tzadik est apparement la définitive, et à priori la meilleure à lire la fameuse tranche noire qui en devient comique tellement il exagere un peu les faits parfois.
Feldman était un spécialiste des pièces souvent longue : celle çi dure 80 minutes sur une seule et unique plage. Sachez que ce n'est pas le record du gaillard qui en a écrit une de 4 heures et une 5 heures. Le compositeur était aussi passioné de tapis orientaux (d'ou l'artwork) : le principe de retrouver toujours la même trame et les même motifs, mais jamais exactement identique car fabriqué à la main. C'est dans le fond un peu pareil pour ce disque : la longueur de lapièce ainsi que les faibles changements de tonalité, rythme et tempo font qu'une oreille peu habitué aurait parfois l'impression d'entendre la même chose. Etant donné la richesse de cette composition, ce serait pourtant une grave erreur. Ce disque est magistral dans son genre : il nous emporte dans un tourbillon néo classique hypnotique, le temps se fige, on a l'impression que la pièce pourrait durer trois jours non-stop. L'accalmie cumulé développe petit à petit une ambiance sombre, mystérieuse, voir glauque, on peut facilement commencer à se faire des films dans sa tête. A ce juste titre, "patterns..." est une vrai prestation incroyable, et j'en recommande grandement l'écoute...

OTOMO YOSHIHIDE - Anode

2010-10-23T02:16:00.000-07:00

Zorn a l'air assez fier de sortir les deux disques les plus intenses de Otomo Yoshihide, versatile compositeur japonais assez reconnu dans les milieux expérimentaux japonais autorisé (ground zero, etc...). Sauf que cette fois, c'est rééllement intense as fuck, de quoi de mettre la tête grosse comme une citrouille. 12 musiciens, un table de mix, deux guitares, un koto préparé, et tout le reste de percussions et batteries. Sinon, les grands axes sont assez simples : improvisation totale, interprétation sauvage, temps limité, et trois règles imposés par le compositeur :
1. Ne pas répondre aux sonorités des autres
2. Ne former aucun trame de l'introduction jusqu'à la conclusion
3. Eviter toute notion de mélodies, rythmes populaires, clichés, etc...
Ces instructions prêtent à sourire, mais elle font aussi peut être la faiblesse de ce disque : un énorme magma sonore bouillonant bruitiste à souhait (pour la pièce "anode 1" et sa variation), ou de la musique expérimentale sans queue, ni tête abstraite à souhait (les pièces "anode 2/3"). Voila une prestation qui devait être visuelle, qui peut faire un certain effet en live (te démolir les neurones en deux sets), mais qui a du mal à prendre sur disque, peut être trop extrême pour moi. Les fervents d'impro pure et des parachutes years zornienne apprécieront cependant...

JOHN ZORN - The goddess (music for the ancient of days)

2010-10-22T10:13:00.000-07:00

83eme référence de la section Archival series, qui classifie tous les travaux de John Zorn, de ses début en 1973 jusqu'à aujourd'hui. Sixième disque du marathon Zornien puisque 12 nouvelles oeuvres sont attendus en 2010 (on annonce même le chiffre de 15, car il est vrai que plusieurs rééditions sont à paraitre, ainsi qu'une première parution vynil). Superbe digipack dans la même veine que "Six litanies...", avec des oeuvres de la jeune artiste japonaise Akino Kondoh, qui soutient une vision sombre et introspective de la féminité, et qui demeure exposé à la plums bossoms gallery de New york.

Toujours dans le registre du mysticisme, Zorn nous offre donc sept nouvelles odes dédié aux femmes au sein de l'univers de la magie, du rituel ou de la mythologie. Le sujet parait assez vaste, et on n'a pas trop de précisions sur ce qui a eventuellement inspiré le compositeur précisement. Voici cependant un disque typique de John Zorn (era 2010). Le line up est d'un classique absolu dans le genre ; l'alhambra trio se dissout peu à peu et The dreamers envahit peu à peu la place. Rob Burger et Ben Perowsky (piano/batterie) se couple avec Marc Ribot, Kenny Wollesen et Trevor Dunn (guitare, vibraphone et basse) tandis que Carol Emanuel arbitre le tout avec sa harpe. Sans aucune surprise sur le contenu, voici sept bons morceaux composé d'une main de maitre et interprété encore une fois par un cercle de musiciens avec des niveaux individuels techniques tout simplement ahurissant. Les blasés diront que Zorn se répéte un peu dans son registre. Je préfére voir le coté positif, sachant que ce disque est un vrai plaisir d'écoute, spirituel et lyrique à souhait. Le principal problème demeure qu'à mes yeux, il enterre sur place "in search..." qui était un disque beaucoup moins riche harmoniquement parlant, étant donné qu'il y avait moins d'instruments. De plus, au vue de leur écart de date de sortie, on ne manquera pas de comparer "the goddess" à "in search" (en bien à priori), voir aux oeuvres de the dreamers, puisque on est dans la même veine easy listening dans le fond (et que de plus en plus de musiciens gravitent dans ce projet). Peu importe, voila un nouveau chapitre envoutant de l'oeuvre Zornienne, et je recommande grandement son acquisition...

edit : voici les influences de ce disque (courtesy of 777, thanx to him and his great knowledge)
- "Ishtar". Rappellez-vous que Femina commence avec un hommage à En Hedu'Anna.
- "Haptameron" (Heptaméron en français) est un livre du XVIè de Marguerite de Navarre.
- "Drawing Down the Moon" est un rituel magique de la Wicca, créée par Gardner (qui était déjà à la base du morceau "Book of Shadows").
- "Ode to Delphi" fait bien sûr référence à La Pythie de Delphes chez les anciens grecs.
- Et "In the Search of the Miraculous" est le titre d'un livre d'Oupensky, ancien disciple de Gurdieff, où il relate l'enseignement de son maître (traduit en français sous le titre "Fragment d'un Enseignement Inconnu").

MATTHEW WELCH - Dream tigers

2010-10-16T02:41:00.000-07:00

Jeune compositeur résidant à New York et ayant étudié sous l'égide d'Alvin Lucier et D'anthony Braxton entre autres. L'instrument de prédilection de Matthew, c'est la cornemuse traditionnelle (il en existe des centaines différentes en fait quand on se renseigne) d'origine écossaise, un instrument trés peu exploiter dans le sillage de Tzadik. "Dream tigers" ne démarre cependant pas d'entrée de jeu avec Welch en musicien, mais plutôt en compositeur. On retrouve en premier lieu "Siubhal turnlar", un string quartet de 25 minutes brillant dans sa conception. Le début est assez virulent, frôlant avec une sphère expérimentale indéniable ; la suite se calme et tend vers une atmosphère cinématographique séduisante. La seconde pièce est une exploration sonique de la clarinette en solo, dans son jeu le plus bas et sombre, qui nous ouvre de belles perspectives. La dernière pièce "the self and the other" est la plus incroyable. On y retrouve tout un ensemble unique composé de Welch à la cornemuse, d'un piano, et de huits percussionistes. Superposition de deux univers différents, les gamelan traditionels de Java ou Bali (voir mon autre blog, section sublime frequencies pour plus d'infos) et la tradition occidentale avec les deux instruments. Lyrique, émotionnelle et envoutante, cette pièce est vraiment magnifique et mérite grandement l'écoute. Matthew Welch frappe fort avec ce premier disque pour Tzadik et on attend son retour avec impatience sous l'égide du label New yorkais...

JOHN ZORN - From silence to sorcery

2010-10-11T13:56:00.000-07:00

13eme disque sortis par John Zorn sur la composer series, destiné avant tout à ressortir ses archives de chamber music, montrant ainsi ses talents de compositeur contemporain. On est ici aussi pleinement dans la notion d'archives, puisque les compositions commencent à avoir plus d'une décénnie d'ancienneté.

Pour une fois, je vais déroger à la règle de détailler les influences de John Zorn quand à la création d'une oeuvre. Elles sont de toute manière assez récurrentes sur la composer serie, y compris sur "from silence..." (les invocations spirituelles démoniaques, le chamanisme coréen, le vaudou haitien, etc...). Je n'ai pas spécialement envie de m'y attarder car je n'ai pas accrocher ce disque. Dire que le compositeur sombre dans la facilité serait bien evidemment une forme de sacrilège étant donné la complexité intellectuelle et technique des 3 pièces présentes. Mais encenser ces dernières sous pretexte qu'il s'agit de John Zorn, je ne m'y résoudrais pas non plus malgré toute ma profonde affection envers lui. "Goetia" n'arrive pas à la cheville de "Volac" dans le registre violon solo, "gris-gris" est une pièce aussi technique qu'ennuyeuse malgré toute la bonne volonté de William Winant. Quand à "Shibboleth", que Zorn décrit fièrement comme un de ses chamber works les plus silencieux, son minimalisme n'est pas foncièrement désagréable, mais comporte un effet secondaire soporifique assez prodigieux. Tous ses éléments réunis font de "from silence to sorcery" un disque relativement anecdotique de la composer serie (seul l'artwork global releve un peu le niveau). C'est evidemment un avis trés personnel, qui prouve cependant encore un peu d'objectivité malgré ma grande admiration pour la carrière globale de Zorn.

JOHN ZORN - Dictée/Liber Novus

2010-10-10T02:08:00.000-07:00

82eme référence de la section Archival series, qui classifie tous les travaux de John Zorn, de ses début en 1973 jusqu'à aujourd'hui. Cinquiéme disque du marathon Zornien puisque 12 nouvelles oeuvres sont attendus en 2010 (on annonce même le chiffre de 15, car il est vrai que plusieurs rééditions sont à paraitre, ainsi qu'une première parution vynil)
Si la pochette frontale n'est pas la plus belle oeuvre de Chippy (c'est peu de le dire...), l'ensemble du digipack est plutôt bien foutu, une belle photo énigmatique de Marcel Duchamp et un artwork correct forme un ensemble artistique agréable. Je suis personellement trés heureux que John Zorn se soit remis aux "file cards" compositions, car je pense que dans le cadre de sa composition pure (hors groupes, filmworks, etc...), il nous a offert ses plus belles oeuvres mythiques ("elegy", "spillane") et "Femina" en restait un exemple récent vraiment réussis. Deux compositions majeures constituent ce disque, on s'en serait douté...

"Dictée", composée en 2009, 23 minutes au compteur. Dédié donc à Thérésa Hak-Kyung Cha, jeune romancière d'origine coréenne qui migra aux USA dans le cadre de ses études. Elle écrivit un seul roman "Dictée" qui apparement a atteint son statut d'oeuvre post-moderne culte. D'autant que son auteur mouru assassinée à NY par un inconnu une semaine seulement aprés la sortie du livre, ça fait désordre...Zorn fut inspiré par le livre, c'est indéniable. On se retrouve de nouveau dans un film imaginaire avec une narration (en français, par Sylvie Courvoisier, cocorico !) exactement comme le processus de "Godard/Spillane". Des passages lyriques (la piano de Courvoisier, le violoncelle de Lee), des reminiscences asiatiques (le Shakuhachi de Rothenberg), Des ambiances étranges (Wollesen et Zorn aux percussions et samples), une certaine forme de suspense, bref, une trés belle composition réfléchie et inspirée, et certainement une future oeuvre majeure du maitre Zorn.

On peut quasiment en dire autant de "Liber novus", composé en 2010, et couvrant 16 minutes. . Inspiré par le "red book" (nommé pourtant "liber novus" à l'origine) du psychiatre et psychologue Carl Gustav Jung (voir sur wikipedia pour plus de détails). Un livre trés imaginatif apparement, destinée à developper l'imagerie mythique à travers l'inconscient collectif. Son auteur y rencontre des protagonistes accompagné d'animaux. C'est pourquoi la composition de John Zorn renferme elle aussi énormement de sons d'animaux (chiens, lions, serpents, cochons, oiseaux), couplé avec de superbes instrumentaux mélodiques ou des instants bruyants abruptes et vifs. On décéle facilement un trés gros boulot de mise en place des structures, alors qu'il n'y a dans le fond seulement que quatre musiciens (Zorn n'effectuant qu'une trés courte narration allemande). Hormis Wollesen toujours impeccable avec ses percussions de sa propre fabrication, on remarquera des collaborateurs un peu inhabituels du cercle Zornien : John Medeski à l'orgue, Stephen Gosling au piano, et David Slusser aux effets sonores (trés nombreux d'ailleurs).

Le faible nombre de musiciens n'empêche cependant pas la richesse spirituelle (obligatoire étant donné le sujet) de la composition d'agir, et de se completer merveilleusement bien avec "Dictée". Ce disque demeure donc un chapitre important dans l'"archival serie", et sera à coup sur un futur classique.

JOHN ZORN - Ipsissimus

2010-10-03T09:49:00.000-07:00

86eme référence de la section Archival series, qui classifie tous les travaux de John Zorn, de ses début en 1973 jusqu'à aujourd'hui. Neuvième disque du marathon Zornien puisque 12 nouvelles oeuvres sont attendus en 2010 (on annonce même le chiffre de 15, car il est vrai que plusieurs rééditions sont à paraitre, ainsi qu'une première parution vynil)
Chouette digipack une nouvelle fois, bien mieux foutu que "the crucible", avec des peintures de William Blake à l'intérieur, et un coté arty comme nous a habitué Tzadik au fils des années.

Nouvelle livraison de Moonchild donc, dont je préssentais l'arrêt au dernier opus de 2008, et dont vous apprécierez l'erreur de pronostic une nouvelle fois (moralité : plus de pronostic). La nouveauté 2010, histoire que la formation ne tourne pas en rond, demeure une configuration qui se veut soit minimaliste (le duo rythmique Dunn-Baron dans son plus simple appareil), soit normale, soit maximaliste (le trio originel, accompagné de Zorn au sax et de Ribot à la guitare). Le premier titre en quatuor est trés bon, même si déja entendu dans le genre. La vrai découverte s'installe dés le second titre "the book of Los", ou Ribot débarque tranquillement et s'immisce dans la formidable paire rythmique pour un morceau incantatoire au possible, une montée ultra progressive ou le quintet explose de fureur sur le final. Même configuration pour le superbe "warlock", tout en contraste, avec la guitare qui apporte une vrai énergie en plus. Le reste des morceaux reste correct, mais malheuresement n'apporte pas de vraies innovations : Si Dunn (qui claque moins les cordes et enchainent plus les notes) et Baron reste un solide pilier, Ribot se lâche parfois dans des délires noisy et dissonants digne d"Asmodeus" dont je ne suis pas super fan, Patton s'essoufle dans son propre registre à force de crier et gonfler la gorge, et Zorn est relativement discret. Mais que devions nous attendre de plus de Moonchild ? Deux titres énormes, et un album correct dans son ensemble, on s'en tire plutôt pas mal. Avec la densité de l'oeuvre Zornienne durant cette année 2010, on ne blamera donc pas le saxophoniste de jammer avec ses potes de temps en temps...

ZEENA PARKINS - Pan-acousticon

2010-10-03T02:32:00.000-07:00

Je ne vais pas m'étendre des heures sur cette oeuvre de Zeena Parkins : je ne l'ai vraiment pas apprécié. Cela peut sembler bizarre, car nous avons affaire ici à un disque expérimental pur souche, dans la même veine que beaucoup d'autre volumes de la section. L'approche de composition de la harpiste m'a passablement exaspéré : sans queue, ni tête, les morceaux se perdent dans des méandres bruitistes usants, des clichés instrumentaux fatiguants, et un concept complétement raté. Trés vite, on se prend à zapper beaucoup de passages particuliérement stressant, dans le mauvais sens du terme. Parkins s'offre donc le luxe de nous offrir la vision la plus corrompue de la musique expérimentale : du croquage de cerveau quasiment gratuit, avec des instrumentaux bien chiant. J'espere pour la harpiste que ces autres disques sur Tzadik sont meilleurs que celui çi...

ANTHONY COLEMAN - Freakish

2010-10-03T02:20:00.000-07:00

Pas grand chose à dire sur cette nouvelle livraison d'Anthony Coleman pour le label de son pote saxophoniste. S'attaquant au répertoire de Ferdinand "Jelly roll" Morton, l'un des inventeurs estampillé du jazz dans les années 1920, Anthony Coleman aura mis quelques années avant de se décider d'apprendre les 13 titres qui composent ce "Freakish". Trés agréable à l'écoute, le piano de Coleman swingue et demeure plein de fantaisie, on est trés vite transposé dans une maison close au coeur de l'Amérique, les endroits de prédilection ou Morton jouait. Voir le wikipedia du gaillard pour plus d'infos intéréssantes. Une chose est sure, l'hommage de Coleman est sincère et dévoué, et vos oreilles le ressentiront...

BILL LASWELL - Invisible design

2010-09-28T14:40:00.000-07:00

Est ce que un seul des lecteurs de ce blog aurait t'il le cran de critiquer Bill Laswell ? Ne comptez pas sur moi pour le faire en tous cas. Pourtant, pour tout avouer, je ne suis pas un die hard fan du lascar, et Hormis Painkiller, Massacre et Praxis, je suis un peu novice dans la connaissance de son oeuvre massive et variée. Alors certes, ce terroriste musical (comme se plait à l'appeler son copain Zorn) a une incroyable carrière de producteur. Mais il n'en demeure pas moins un extraordinaire joueur de basse, et un prolifique faiseur de sons et d'ambiances, ce disque en est la parfaite preuve. Une parfaite exploration solo de sa basse et de ses multiples pédales et effets, et Laswell nous attire dans un magma mouvant et cottoneux, à la croisée du dub et de l'ambiant, pour un résultat hypnotique et attirant. On sent dans les croquis du livret (une récurrente sur les disques de la composer serie d'ailleurs, ou vous pouvez en apercevoir sur tous les volumes) que c'est surtout l'envie de se faire plaisir qui prédomine, une petite branlette digitale en somme. Mais loin de nous pondre un disque insipide, l'immense talent du lascar suffit à nous captiver du début à la fin avec des sonorités véritablement jouissives par leurs grooves démentiels (le créneau favori de Laswell de toute façon). Artwork plus que minimaliste, mais il fallait oser...

RAFI MALKIEL - Water

2010-09-22T14:08:00.000-07:00

Rafi Malkiel, tromboniste de la downtown scene ayant joué avec Ray Anderson entre autre, natif d'Israel et résident aujourd'hui à New York. Quand on vit dans la grosse pomme et qu'on fait de la musique d'influence juive, on a de grande chance de finir dans les rangs de Tzadik, ce qui demeure une chouette récompense, le label étant distribué mondialement et bénéficiant d'une excellente image de marque.
Artwork sobre et classieux pour un opus qui tourne autour du concept de l'eau dans toutes ses formes. On ne s'étonnera donc pas d'entendre pas mal de bruits de flotte tout au longs des riches 12 titres composé par le tromboniste. Entouré d'un line-up assez conséquent de 14 musiciens, dont pas mal de cuivres et de percussions, les morceaux en gagnent en instrumentations et en richesse, et ça fait plaisir à entendre. On tape dans un registre entre musique de l'Europe de l'est et jazz, ça swingue dans tous les sens et donne envie de taper du pied. Ca me rappelle Daphna Sadeh ou Paul Shapiro dans cette même section, et c'est du bon matos une fois de plus...

MAMORU FUJIEDA - Pattern of plants

2010-09-12T03:09:00.000-07:00

Mamoru Fujieda est un des compositeurs japonais les plus discrets du label New Yorkais. Affilié depuis les débuts de Tzadik, voici son second disque sortis en 1997 sur la composer serie intitulé "Pattern of plants".
Le concept est assez complexe d'aprés ce que j'ai pu comprendre des notes du livret. Fasciné par la corrélation entre l'environnement et la musique, le compositeur a branché des électrodes sur des plantes. Avec leur évolution, ces dernières développent de la photosynthèse qui produit des micro-sources éléctriques qu'un ordinateur capte, enregistre et analyse via un logiciel. Mamoru Fujieda retranscrit ensuite les données dans un language musical, que des musiciens interprétent par la suite avec des instruments traditionnels japonais comme le Koto et le Sho (entre autres). Nous sommes donc en présence d'une vrai intellectualisation de la musique, et d'une véritable recherche quasi scientifique (j'ai vraiment simplifier les explications du livret) ce qui force le respect. Pour joindre l'utile à l'agréable, le disque sonne vraiment bien : 75 minutes (il est vraiment trés long effectivement) de différentes variantes d'instruments ensemble, qui donne un coté ambiant traditionnel ultra reposant, qui rappelle fortement le minimalisme. Un magnifique épisode Tzadik qui se veut être l'un des plus calme et apaisant. A noter que le second volume de ce concept est sortis il y a peu sur cette même section en 2008 par le même auteur....

SCOTT JOHNSON - Patty Hearst

2010-09-10T19:08:00.000-07:00

L’enlèvement de Patty Hearst est l’un des événements les plus marquants des années 70 aux USA. Il fît connaître l’armée de libération symbionaise, à laquelle l’otage fille de bonne famille, se rallia à la stupeur générale. Plus de 30 ans après, le constat est sans appel. L’ALS qui luttait pour la symbiose des races et des classes et dénonçait le système judiciaire américain est devenue un symbole de l’inégalité de traitement qu’elle combattait. L’histoire de ce groupement suscite en outre de nombreuses questions, sur lesquelles plane l’ombre des taupes du FBI dans les mouvements étudiants des années 70.

Ce fait divers assez incroyable (dont je vous recommande de lire l'historique sur internet) inspirera un film en 1988 réalisé par Paul Schrader, qui confia la bande son à Scott Johnson, compositeur d'avant garde issus du courant minimaliste n'ayant strictement aucune expérience dans la composition de films et dont "Patty Hearst" demeure la seule incursion dans le genre. Au départ, je me suis demandé pourquoi ce disque ne figurait pas dans la section Film music de Tzadik, dédié à la catégorie du 7eme art. A l'écoute du disque, on comprend assez vite pourquoi : malgré beaucoup de passage basé sur l'émotion, l'ensemble sonne trop expérimental pour se rattacher à une veine de bande son classique de cinéma. Scott Johnson y pose peu son phrasé de guitare qu'on retrouvait sur "John somebody" (en fait sur seulement deux titres). Place à beaucoup de constructions à base de synthétiseurs, percussions, et un string quartet reunis pour l'occasion, interprétant beaucoup de passages avec justesse et sensibilité, faisant de "Patty Hearst" une trés belle oeuvre d'avant garde indépendante. Out of print depuis plusieurs années sur Nonesuch, Tzadik effectuera un trés beau travail de réédition, rendant cette bande son de nouveau accessible à tous, pour notre plus grand plaisir...

LUKAS LIGETI - Afrikan machinery

2010-09-09T10:05:00.000-07:00

Lukas Ligeti est un jeune compositeur née en Hongrie, qui a beaucoup voyagé en Afrique (influençant ainsi son approche musicale) et qui maintenant s’est établis à New York, d'ou son affiliation avec Tzadik (comme la plupart des artistes du label de toute façon). Son précédent effort "Mystery system" exploitait une veine hautement expérimentale à base de percussions en autre, mais avec de nombreux musiciens à la clé. C'est toute la différence avec ce "Afrikan machinery" qui lui développe le sens de la composition de Ligeti par ses propres moyens, il est donc tout seul à s'éxecuter sur ce disque. La thématique est assez simple : l'exploitation des sons africains (Il a passé beaucoup de temps au Burkina faso et en côte d'Ivoire) couplé à des éléments électroniques. Il a donc composé sur un instrument assez étrange : un marimba lumina, soit un marimba hybride couplé avec de l'électronique. Ajouté des effluves de violon, de balafon (un xylophone africain) et d'autres percussions diverses, et vous obtenez un disque indescriptible basé sur la polyrythmie, la répétition et parfois un coté hypnotique assez unique. La vision de Luka est assez géniale et unique en son genre, le jeune compositeur n'hésitant pas a parfois faire preuve d'un certain humour dans son oeuvre (je vous laisse découvrir). S'étant re-axé sur lui même et sur une phase musicale trés précise de son processus de création, Lukas Ligeti nous offre de nouveau un disque original, qui nous offre une autre vision de la musique et des percussions d'origine africaine...

LEE HYLA - Wilson's ivory-bill

2010-09-07T09:52:00.000-07:00

Lee Hyla est un compositeur américain née en 1952, a travaillé avec une pléiade d’artistes et d’ensemble musicaux, travaille dans un conservatoire de musique prés de Boston, etc…Plus d'infos sur son site internet. Seconde collaboration avec Tzadik, et nouveau trés beau artwork, le compositeur ayant pas mal de références littéraires à son actif , via les notes du livret. Hélas, l'histoire s'arrétera la à priori pour moi, je n'ai guère trop apprécier ce disque. On démarre sur un string quartet classique d'une quinzaine de minutes, mais il n'y a rien à faire, j'encaisse mal ce genre de formation, surtout quand l'ensemble vire à la démonstration. Seul John Zorn arrive à m'interpeller sur ce terrain d'ailleurs. "Wilson's ivory bill", le seconde pièce, est quand à elle tout bonnement insupportable, avec un piano et une voix bariton super stressante qui chante des textes provenant d'un bouquin d'oiseaux. A oublier trés vite. Reste deux dernières pièces dans la configuration piano, violon, violoncelle et percussions : pas transcendante pour deux sous, ces travaux de composition ont pour mérite d'instaurer une ambiance un peu tendue et stressante, et une meilleure cohésion dans la construction et le rendu. Le premier disque de Lee Hyla sur la composer serie (voir archive) m'avait paru anecdotique, C'est malheuresement le cas pour le second aussi je pense, donc je n'accroche pas à priori avec la vision de ce compositeur qui demeure cependant talentueux, mais dans l'univers qu'il s'est construit, avec des configurations d'instruments que je n'apprécie pas...

ARNOLD DREYBLATT - Animal magnetism

2010-09-03T09:07:00.000-07:00

4eme référence historique de Tzadik, sortis en 1995 sur le label de Manhattan fraichement fondé par John Zorn à l'époque. Je précise ce fait car evidemment, signé de tels OSNI (objets sonores non identifiés) en tant que première oeuvres relève autant de l'exploit que de l'inconciensce...15 ans aprés, le label fera prochainement péter sa 500eme référence. Qui l'eut cru ?

Arnold Dreyblatt, compositeur américain ayant migré depuis pas mal d'années sur Berlin, ville ou il réside toujours. Ayant étudié avec Alvin Lucier et LaMonte Young (soit des fers de lance du minimalisme), et dirigeant son propre groupe prénommé "the orchestra of excited strings" depuis 1979 (un nom bien fun, il faut l'avouer...). Et c'est avec cette formation qu'il composera ce disque improbable, certes assez court, mais qui pourtant fait preuve d'un avant gardisme sans faille tout en apportant son lot de surprises. Déja, il s'agit d'un des seul disque de chamber works ou j'ai pu lire la mention "This music is composed with a specific acoustic effect in mind. one should listen at maximum volume". La musique contemporaine joué ici lorgne en effet beaucoup sur l'énergie du rock. Beaucoup de cuivres composent le disque, en plus d'instruments traditionels et d'autres plus pittoresques (le cimbalom notamment, un instrument à corde frappée faisant partie de la famille des cithares). La rapidité est parfois présente, le changement de structures est récurrent, la répétition pointe parfois, et le tout dans une musique hybride mélangeant percussions, rythmiques ska ou d'europe de l'Est, et éléments pop. Ca m'a rappelé certains moments de la musique de Frank Zappa (dernière période), ça m'a surtout beaucoup étonné, mais finalement séduit. "Animal magnetism" est une oeuvre trés riche et dense qui mérite effectivement d'être écouter à volume bien élevé...

JOHN ZORN - Aporias

2010-08-21T15:20:00.000-07:00

4eme disque sortis par John Zorn sur la composer series, destiné avant tout à ressortir ses archives de chamber music, montrant ainsi ses talents de compositeur contemporain. On est ici aussi pleinement dans la notion d'archives, puisque les compositions commencent à avoir plus d'une décénnie d'ancienneté.

"Aporias" est un peu la quintessence du magnifique talent de Zorn à composer une musique de chambre de qualité, développant un talent visionnaire, associé à une rigueur et une créativité sans faille. Axé autour du piano de Stephen Drury, un orchestre de 75 musiciens (!) donne ensuite vie à toutes les atmosphères tendues et sombres au sein de 10 mouvements relativement indépendants les uns des autres. Mais l'ensemble donne une pièce cohérente, sublime de bout en bout, d'une grande force spirituelle. "Aporias" mériterait d'être repris par tous les opéras digne de ce nom, c'est une oeuvre contemporaine majeure, et certainement l'un de mes chapitres préférés de la composer serie.

JOHN ZORN - Duras : Duchamp

2010-08-15T09:05:00.000-07:00

3eme disque sortis par John Zorn sur la composer series, destiné avant tout à ressortir ses archives de chamber music, montrant ainsi ses talents de compositeur contemporain. On est ici aussi pleinement dans la notion d'archives, puisque les compositions commencent à avoir plus d'une décénnie d'ancienneté.

Marguerite Duras est une écrivaine et cinéaste française, née le 4 avril 1914 à Gia Dinh (autre nom de Saïgon), alors en Indochine, morte le 3 mars 1996 à Paris, terrasser par l'alcool. Son œuvre se distingue par sa diversité et sa modernité qui renouvelle le genre romanesque et bouscule les conventions théâtrales et cinématographiques, ce qui fait de Marguerite Duras une créatrice importante, mais parfois contestée, de la seconde moitié du XXe siècle.
C'est en ayant à l'esprit les écrits romantiques de Duras (ainsi que la musique mystique d'Olivier Messiaen) que John Zorn composa la pièce "Duras" soit 3 livres et un épilogue qui regroupe un peu plus d'une demi heure de musique. Composé en 1996, on y retrouve 6 musiciens habitués de Tzadik : Mark Feldman, Erik Friedlander, et Genovia Cummins au violon et violoncelle, Jim Pugliese et Christine Bard aux percussions, et Anthony Coleman/John Medeski respectivement au piano et à l'orgue. L'une des pièces les plus belles de la composer series, hypnotique, ambiant, rituelle, qui vous fait voyager dans un univers sombre et reposant.

Marcel Duchamp (1887-1968) est un peintre, plasticien, homme de lettres français, naturalisé américain en 1955. Inventeur des ready-made au début du XXe siècle, sa démarche artistique exerce une influence majeure sur les différents courants de l'art contemporain.
C'est en 1997 que John Zorn enregistre la composition alter-ego de "Duras" qui se nommera "étant donnés" qui a pour inspiration les travaux du peintre français. Beaucoup plus courte (13 minutes), seulement trois musiciens (Pugliese/Friedlander/Feldman), et une pièce beaucoup plus expérimentale avec des percussions trés variés (chaines, tambour, verres, etc...), beaucoup de bruits couplé au violon et donc un coté noisy qui contraste avec l'ensemble. Dans les deux cas, de magnifiques hommages à des figures culturelles françaises qui l'ont marqué, John Zorn offrait au début de Tzadik un magnifique chapitre de la composer serie.

edit (courtesy of 777, thanx to him...) : "Etant Donné" est une installation de Duchamp (ami et influence de John Cage, Man Ray et de Joseph Cornell, entre autres), et c'est surtout la dernière pièce qu'il réalise secrètement durant une vingtaine d'années, alors que tout le monde le croit retiré du monde de l'Art. Vous en trouverez une reproduction, mise en scène de façon particulièrement pertinente, derrière le cache noir du boitier CD. C'est aussi une photographie de lui qui illustre l'intérieur du boitier de "Dictée/Liber Novus".

MASADA - Sanhedrin (1994-1997)

2010-08-15T03:05:00.000-07:00

Paradoxalement, je n'ai pas grand chose à dire sur ce disque. Tous ceux qui connaissent ce blog aiment John Zorn, et donc apprécient l'un de ses groupes majeurs qu'est Masada (et qui contrairement à d'autre demeure toujours en activité de nos jours et s'est mué en de multitudes différentes formations). La sortie en 2005 de ce magnifique disque était une aubaine pour tous les fervents du Masada songbook premier du nom ; Enfin toutes les chansons inédites qu'on retrouvé sur les lives allaient être disponibles dans un magnifique double album en forme de livre, couvrant les périodes de 1994 à 1997. 29 titres, rien à jeter, c'est du grand art, la quintessence du jazz moderne. Obligatoire d'écoute. Le mot de la fin pour John Zorn

"De 1973 à 1993, mon univers de composition était à prédominance structurel et complexe. Le traditionel concept de mélodie n'était une part importante de mon langage créatif. Début 1993, comme un challenge envers mes compétences de compositeur, j'ai commencé un livre de chansons inspiré par de grands compositeurs comme Ornette Coleman, Burt Bacharach, Thelonious Monk, ou Kurt Weill. La challenge de coupler mon odyssée personnelle juive et mes compétence de saxophoniste ont donné naissance au monde de Masada..."

JOHN ZORN - Mysterium

2010-07-31T06:03:00.000-07:00

"Rester en contact avec une force créative qui donne à ma vie un sens peut parfois simplement signifier choisir de faire la bonne chose au bon moment. Je ne suis pas le genre de compositeur qui peut écrire sur demande, ainsi que d'avoir un rendement quotidien. Pour moi, composer est une croyance sacré, une journée dans l'inconnu, une expérience mystique (et non un boulot), et les pièces que je dévoile au monde ont toujours été conçus dans un flash hypnotique d'inspiration, précédé d'une recherche exhaustive et poursuivit d'un dur travail. Le temps est souvent long, mais la décision de mettre mes idées sur partition est souvent spontané et mystérieusement inexplicable..." (John Zorn, Paris, 2005)

C'est grosso modo dans cette thématique que John Zorn composa la trilogie de musique de chambre présenté aujourd'hui et parus sur la composer serie en 2005.
Dernier chapitre de la trilogie avec un "mysterium" composé en 2004 et qui demeure une magnifique conclusion. Superbe artwork d'une illustration de 1825 intitulé "on the edge of chaos", ça nous met dans l'ambiance direct, mais si cet opus est plus mystique que sombre et malsain. La dernière piéce est un string quartet classique assez basique qu'on oubliera assez dans les méandres de l'oeuvre massive Zornienne. En revanche, les deux autres pièces sont tout simplement incontournables.
"Frammenti del Sappho" est une pièce avec pour inspiration les écrits de la poétesse grecque Sappho (VIIeme siècle avant JC). Son homosexualité latente a inspiré Zorn de faire appel à un groupe de choristes féminins pour interpréter les 13 minutes d'une des pièces les plus belles harmoniquement parlant, et dont le compositeur se rapproche au plus de la tradition ancienne.
Avec "Orphée", dernière pièce et certainement la plus réussis de la trilogie, John Zorn tape dans le sublime et rentre certainement au panthéon des grands compositeurs contemporains avant même sa mort. Inspiré par Claude Debussy et la culture française en général, cette composition "miniature" (seulement 9 minutes) réussit pourtant à synthétiser toute la dimension dramatique et mystèrieuse du triptyque. Incontournable...

JOHN ZORN - Rituals

2010-07-31T05:31:00.000-07:00

"Rester en contact avec une force créative qui donne à ma vie un sens peut parfois simplement signifier choisir de faire la bonne chose au bon moment. Je ne suis pas le genre de compositeur qui peut écrire sur demande, ainsi que d'avoir un rendement quotidien. Pour moi, composer est une croyance sacré, une journée dans l'inconnu, une expérience mystique (et non un boulot), et les pièces que je dévoile au monde ont toujours été conçus dans un flash hypnotique d'inspiration, précédé d'une recherche exhaustive et poursuivit d'un dur travail. Le temps est souvent long, mais la décision de mettre mes idées sur partition est souvent spontané et mystérieusement inexplicable..." (John Zorn, Paris, 2005)

C'est grosso modo dans cette thématique que John Zorn composa la trilogie de musique de chambre présenté aujourd'hui et parus sur la composer serie en 2005.
Second chapitre avec "Rituals", pourtant plus vieille composition de la trilogie (1998) mais seulement enregistré en 2004. Toujours les mêmes influences récurrentes d'incantations, de rituels et de magie, mais nettement plus théatralisé, aussi bien sur le fond musical que sur la forme scènique. Conçus comme un "monodrame pour voix et dix instruments", "Rituals" a tout effectivement de l'opéra lyrique contemporain à la manière de l'oeuvre "Chimeras". John Zorn explique d'ailleurs sa vision scènique de l'oeuvre : un théatre ancien, des costumes, un jeu de lumière atmosphérique et dramatique, beaucoup de bougies, de la fumée qui s'échappe de dérrière la scène, des images ésotériques et des textes de languages mystiques projetés. Dommage que cette représentation n'ait jamais eu lieu d'ailleurs, ca serait quelque chose. Brad Lubman, réccurent chef d'orchestre des chamber works de Zorn qui dirige 10 musiciens géniaux, dont William Winant et Jim Pugliese qui, outre les percussions, sont en roue libre totale tout au long des 26 minutes avec une tonne d'objets (eau, vent, claquement, gravure, papier, etc...). Le seul bémol : on entend trop la choriste, elle gâche un peu certaine ambiance parfois. Mais "Rituals" reste un grand opéra contemporain, et une oeuvre incroyable, pierre angulaire de la trilogie, même si le meilleur volume reste à venir...

JOHN ZORN - Magick

2010-07-31T03:52:00.000-07:00

"Rester en contact avec une force créative qui donne à ma vie un sens peut parfois simplement signifier choisir de faire la bonne chose au bon moment. Je ne suis pas le genre de compositeur qui peut écrire sur demande, ainsi que d'avoir un rendement quotidien. Pour moi, composer est une croyance sacré, une journée dans l'inconnu, une expérience mystique (et non un boulot), et les pièces que je dévoile au monde ont toujours été conçus dans un flash hypnotique d'inspiration, précédé d'une recherche exhaustive et poursuivit d'un dur travail. Le temps est souvent long, mais la décision de mettre mes idées sur partition est souvent spontané et mystérieusement inexplicable..." (John Zorn, Paris, 2005)

C'est grosso modo dans cette thématique que John Zorn composa la trilogie de musique de chambre présenté aujourd'hui et parus sur la composer serie en 2005.
Premier chapitre avec "Magick", disque dont les influences non-voilés se base sur les magies noires et blanches. On saluera la sublime pochette, qui est une illustration du mythique Gustave Doré (Zorn signe comme Dante son enfer personnel) et qui retranscrit bien cette atmosphère oppressante. Le disque s'ouvre sur un string quartet complexe et sombre qui s'intitule "Necronomicon" (le fameux livre des morts inventé par HP Lovecraft, rendu populaire par un certain film de Sam Raimi). Plusieurs mois de préparation, trois mois de composition à plein temps en 2003, et certainement le string quartet de Zorn le plus aboutis : divisé en 5 parties (trois virulentes, et deux basé sur les ambiances), le compositeur réussis son défis de nous balancer dans un univers mystique propice aux incantations et autres rituels de magies.
A l'inverse de "Necronomicon", la seconde pièce basé sur la sorcellerie intitulé "Sortilège" fut composé dans un flash d'inspiration en seulement une journée en 2001, et fût enregistré quelques jours aprés. Une pièce composé pour deux clarinettes basses, parmis les plus difficile à retranscrire si on en croit Zorn. Le résultat n'est cependant pas incontournable en terme d'univer sombre, ça casse même un peu l'ambiance froide instauré précédemment et c'est dommage. D'un point de vue général, je trouve que "Magick" est le plus faible des trois volumes...

JOHN ZORN - Chimeras (2001/2009)

2010-07-23T16:29:00.000-07:00

9eme disque sortis par John Zorn sur la composer series, destiné avant tout à ressortir ses archives de chamber music, montrant ainsi ses talents de compositeur contemporain. On est ici aussi pleinement dans la notion d'archives, puisque les compositions commencent à avoir plus d'une décénnie d'ancienneté.

Un travail de composition de John Zorn établis en 2001 mais sortis uniquement en 2003. La musique expérimentale et avant gardiste que propose le compositeur new yorkais est réservé à une forme d'élite. Deux choses me font dire ça : la première est tout simplement avec cette musique étrange dont je vous ferai une vague description après, la deuxième est que les sources d’inspiration de Zorn sont unique et hautement intellectuelle. Pour ce « Chimeras », le compositeur s’est donc appuyé sur le travail de Schoenbergs (avec son oeuvre « Waltz »), sur « l’ouvroir de littérature potentielle » (en français dans le texte), et sur le travail de Georges Perec, un auteur français qui a fait des recherches en Lipogramme, comprenait par la un mode d’écriture qui consiste à supprimer certaines lettres de l’alphabet (par exemple, un chapitre sans la lettre A, etc…). Bon, grâce à ce disque, je mourai moins bête, et grâce à cette chronique, vous aussi…Musicalement parlant, « Chimeras » regroupe treize titres qui nous font penser à une sorte d'opéra lyrique avant gardiste : bruit du vent, violon, papier écrasé, flûte, orgue, bruits du feu, gong retentissant, piano, et voix de récital entre autres. Le rendu final est sublime, une fois que l’on a bien sur digérer le disque et réussit à rentrer dans cet univers malsain et relativement sombre. Dramatique et coloré, cette composition est d’une virtuosité exemplaire qui fera travailler votre imagination…(cette kronik date de 2003)

Parlons à présent de la réédition de 2010. Pour le coup, je serais un peu moins emballé que les récentes sortis de cette année. Non pas que le disque est moins bon que le précédent, mais il n'apporte pas grand chose supplémentaire non plus. Zorn conçoit dans le livret s'être trompé de tonalité pour "Chimeras" et décide en juin 2009 de reprendre les structures et de remodéliser l'ensemble. Mais le résultat sonne relativement identique, ce sont de trop petites subtilités pour qu'on puisse les percevoir clairement. Un postlude de Célesta a été rajouté à la fin, censé apporter une fin d'ambiance à la pièce, mais ce dernier dure...14 secondes. Un grosse modification donc. La pochette quand à elle est un négatif de l'original, celle çi devenant blanche en majeure partie. Bref, une nouvelle version pour les collectionneurs uniquement...

AUTORYNO - Pastrami bagel social club

2010-07-22T09:36:00.000-07:00

Cocorico, voici le 2eme groupe français à pointer le bout de son nez sur la radical jewish culture aprés Zakarya (je n'inclus pas les compositeurs français sur la composer serie qui eux sont plus nombreux...). Autoryno qui viennent de Paris donc , et qui officie dans la catégorie du power trio qui a des choses à démontrer. Aprés une belle pochette bien arty, le disque démarre sur les chapeaux de roue avec un "ouverture automatique" excellent, ça y est, le rock et le klezmer ne font plus qu'un pour créer une sorte de fusion yiddish éléctrique des plus jouissives, d'autant qu'un accordéon et une clarinette viennent en renfort. Ce titre brouille cependant un peu les pistes, puisque la suite du pastrami se déroule uniquement en trio, renforcant un peu le coté rock. Ca n'enleve cependant en rien les brillantes qualités de l'opus : une guitare en totale roue libre, une basse qui n'hésite pas à partir dans des solos mortels, et une batterie solide qui tient la baraque rythmiquement. On comprend trés facilement pourquoi John Zorn a accroché sur Autoryno (quand on connait un peu le lascar...) : les parisiens inssufflent une nouvelle énergie à une musique qui repose sur la tradition à la base, même si je ne suis pas sure que les familles juives pratiquantes y adhèrent toutes. Le trio a cependant une classe et un feeling indéniable, ainsi qu'un talent de visionnaire a créer une musique moderne et groovy, en total contraste avec le klezmer que tous le monde connait. C'est d'ailleurs le but revendiqué de la radical jewish culture, et Autoryno est partis pour en devenir un acteur renommé...

JOHN ZORN - Madness, love and mysticism

2010-07-17T00:11:00.000-07:00

7eme disque sortis par John Zorn sur la composer series, destiné avant tout à ressortir ses archives de chamber music, montrant ainsi ses talents de compositeur contemporain. On est ici aussi pleinement dans la notion d'archives, puisque les compositions commencent à avoir plus d'une décénnie d'ancienneté.

Trois pièces sonores composé par John Zorn en 1999 et seulement enregistré en 2000 et 2001, j'ai l'impression que le compositeur New Yorkais est plus réactif aujourd'hui et enregistre sur le champs, ne laissant plus des partitions trainer dans les cartons de son appart' à Manhattan. Le premier thème est donc la folie, avec pour référence Antonin Artaud, poète et figure littéraire française qui aura beaucoup influencé Zorn au fils des années, et qui était bien fracassé du crâne il faut l'avouer (9 ans passé en hopital psychatrique). Inspiré par le poème d'Artaud baptisé "le mômo", voici une oeuvre basé sur le rituel de l'exorcisme et de la possesion, et qui est, de par son propre aveu, l'oeuvre la plus rigoureuse et organisé que John ait composé. Une pièce hypnotique et à l'atmosphère rituel dont se délecte Jennifer Choi au violon et Stephen Drury. On aurait pu imaginer le duo Courvoisier/Feldman dans cette interprétation aussi.

"Untitled", seconde pièce pour violon en solo est interprété par Erik Friedlander, dont on retrouve certaine réminiscence de "Volac" grâce à son jeu et son talent incroyable. Une composition dédié au sculpteur américain Joseph Cornell, un des artistes préféré de Zorn. Ce dernier a vécu dans le Queens, non loin de Utopia Parkway, l'endroit ou vivait Cornell : l'enfant Zorn se souvient d'un homme étrange et hermétique qui érrait dans le quartier et mangait des glaces, tout en recherchant des objets pour ces fameuses boites, assemblage surréaliste qui fit la petite réputation de l'homme. Avec le décés du sculpteur en 1972, on sent les regrets de Zorn de ne pas l'avoir cotoyé plus que ça, ce dernier était trop jeune pour pouvoir lier une relation amical avec. Mais Cornell reste une influence majeure pour la fameuse "intuition hermétique" si cher au compositeur qui nous sort un tribute majestueux.

"Amour fou" pour conclure. Un trio composé des trois musiciens pré-cité ci dessus, afin d'explorer les différents types d'amours irrationnels qui existe (obssessif, profond, folie, etc...). Un travail sur la sensualité et le mysticisme, et une mystérieuse et romantique direction emprunté par John Zorn durant les 20 minutes de la pièce. C'est vraiment brillant et à découvrir : les atmosphère s'installent et s'entremêlent, crééant un climat parfois apaisant, parfois tendue, mais toujours spirituel. Zorn avoue d'ailleurs qu'il y a une distinction française dans ces compositions qui mêle l'érotisme avec le mystère...

Trilogie surréaliste et figure de style des trois pièces qui explorent la virtuosité et l'intensité au sein d'une lecture romantique et d'hommages appuyé. Une belle oeuvre de la composer serie.

JOHN ZORN - The circle maker

2010-07-02T14:55:00.000-07:00

22eme référence de la radical jewish culture, mais ce double album a de l'importance dans la discographie Masadienne. Aprés le pan musical "Bar kokhba" sortis deux années auparavant, John Zorn décide en 1998 de redonner du champs libre à l'univers de son groupe Masada en crééant deux nouvelles formations issus de celui çi.

Premier chapitre "Issachar". Réunion prise le 6 décembre 1997 avec le trio Feldman/Cohen/Friedlander qui formeront désormais le Masada string trio. Interprétation impeccable de pas moins de 18 titres du premier masada songbook, c'est quasiment un double set auxquel on assiste, limite un peu jusqu'à l'overdose. De plus, et j'en choquerai quelque uns en écrivant ceci, mais je suis pas un fan de cette formation. Cela semble evident cependant que c'est un groupe que John Zorn apprécie énormément (de par son talent et sa facilité de "direction") car les trois musiciens se manifesteront beaucoup dans les années à venir (un filmwork, beaucoup de lives, et pas moins de deux book of angels).

Le second chapitre m'est apparus beaucoup plus intéréssant, "Zevulun" s'attachant au début historique du Bar Kokhba sextet, avec la réunion de la formation le lendemain, le 7 décembre 1997. Le premier disque du même nom s'attacher à des petits groupements de musiciens qui formaient le "Masada chamber ensemble" (voir la kronik de ce disque). Mais c'est bel et bien sur cette oeuvre majeur que Zorn décide de donner une entité pré-défini au Bar Kokhba, soit six musiciens magistraux dans leurs lectures des compositions de Masada. Surf music, exotica, world music, easy listening et jewish tradition dans un grand melting pot de sensibilité et de feeling. C'est encore une fois que du bonheur, comme le brillant "lucifer" qui est pour moi un des meilleurs book of angels. Au final, les deux double album de John Zorn sur la section juive sont des indispensables, ni plus, ni moins...

MASADA - Live in Taipei (1995)

2010-06-20T10:25:00.000-07:00

Je pense que tous ceux qui connaisse ce blog savent l'extraordinaire teneur en live du quatuor Masada, groupe phare dans la scène jazz contemporaine. A partir de la, diffcile d'émettre une critique sur la série de live instauré par Tzadik il y a quelques années. Enregistré en 3 soirs au Crown Theater à Taipei, la capitale de Taiwan, ces deux disques sont magique dans leur genre. Le label ne se fout pas de la tête du client avec ces deux disques remplis ras du front de 70 minutes en concert. 19 titres présents pour un quatuor qui n'éxécute aucun faux pas. La seule petite reproche qu'on pourrait faire concerne le lieu, puisque on entend une légère résonnance dans cette salle, même si le son est excellent et on comprend parfaitement ce qui se trame. Un volume de plus de l'oeuvre Masadienne à posséder avec des compositions issus du premier Masada songbook...

JOHN ZORN / YAMATAKA EYE - Naninani

2010-06-20T09:54:00.000-07:00

J'avais déja parler du second volume de cette rencontre logique entre le chanteur/hurleur des déglingués Boredoms et du saxophoniste New Yorkais. Hormis l'ancien contexte de Naked city durant quelques années, leur collaboration en duo pur et dur était aussi attendu qu'imprévisible. Une chose est sure, c'est que l'écoute des 12 titres nous prouvent qu'on est dans une veine improvisée purement expérimentale. Enregistré en deux jours dans un studio New yorkais en mars 1995, on est relativement étonné de la faible présence du saxophone de Zorn : ce dernier s'essaye plutôt à la guitare, la cithare ou aux claviers. Eye quand à lui développe son délire vocal, accompagné de bruits de jouets ou d'une rythmique trés débridé. On a de quoi prendre un peu peur à la base, mais comme le second volume, l'alchimie fonctionne parfaitement. Entre des délires expérimentaux, ambiant sombre, et passages psychédéliques, on est servis en surprise. La rencontre s'avère pleinement positive et les deux "Naninani" sont des excellents chapitres Zornien. Bel artwork, avec dans le livret des photos des deux hommes en train de faire les cons prés de cette tour que j'imagine japonaise...

JOHN ZORN / FRED FRITH - Late works

2010-06-10T10:44:00.000-07:00

Ils se sont rencontrés en 1978, sont restés amis durant plusieurs décénnies, et ont participé à l'évolution de la downtown scene de Manhattan. Pourtant, si on regarde bien, Fred Frith est nettement moins présent et significatif dans l'oeuvre Zornienne qu'un Marc Ribot (pour la guitare) ou qu'un Joey Baron (en tant que musicien). Le guitariste anglais aura tellement cumulé de projets durant les 25 dernières années, qu'il n'aura pas eu le temps de construire une collaboration continue avec le saxophoniste ; Quelques featuring ("Xu feng", "New traditions...", "Taboo and exile", "Godard...") et un groupe certes (Naked city), mais ou Frith était bassiste et dont la durée d'activité fut assez courte (4 ans). Reste 3 oeuvres digitales (les deux "art of memory" et le concert des 50 ans au Tonic) enregistré live, qui d'ailleurs n'étaient pas incontournable à mes yeux. Tout ça pour dire que ce disque en 2010, il n'était pas superflu dans l'absolu. Première réunion studio des deux musiciens, pour 50 minutes d'improvisation PURE (et parfois dure...). Dés l'ouverture avec "Foetid ceremony", je suis resté scotché. Le guitariste dans une espèce de dissonance sourde, et Zorn qui revoit tout painkiller défilé dans son cerveau. Sau-va-ge !!. Et jouissif par la même occasion. Les autres titres sont de l'improvisation brillante comme vous pouvez l'imaginez, la seule frustration étant qu'il aurait fallu voir visuellement la prestation, surtout celle de Frith qui arrive généralement avec une mallette bourré de matos pour jouer. Une grosse mention spéciale aussi au titre le plus long et le plus calme "the fourth mind", absolument génial, nous emmenant dans un jazz expérimental et hypnotique, prouvant l'art des deux improvisateurs à ne pas jouer uniquement dans un esprit saturé et noisy. "Late works" nous prouve de nouveau et sans aucune difficulté l'immense talent des deux compositeurs...

Book of angels Top 10

2010-06-09T12:04:00.000-07:00

Hey buddies...

Just for fun, here is my personnal top 11 of the Masada Book of angels serie...

What's yours ?

1. LUCIFER (volume 10)
2. Xaphan (volume 9)
3. Ipos (volume 14)
4. Caym (volume 17)
5. Orobas (volume 4)
6. Baal (volume 15)
7. Stolas (volume 12)
8. Astaroth (volume 1)
9. Volac (volume 8)
10. Malphas (volume 3)
11. Asmodeus (volume 7)

JOHN ZORN - Baal book of angels 15

2010-06-09T11:49:00.000-07:00

En premier lieu, l’artwork de ce skeud’ est sublime : un digipack de toute beauté avec étoile gravé sur le front et tout…la grande classe ! Ensuite, Après la série sur radical jewish culture qui voyais à l’honneur des disques hommage pour les 10 ans de Masada, voici une nouvelle série d’album hommage ou des groupes reprennent des standards du groupe de Zorn à leurs sauces, puisant dans le repertoire des 300 chansons écrites par Zorn en 2004 ("book of angels") mais que Masada ne garda pas.

Encore un nouveau démon pour cette année, le 3eme depuis début 2010, avec pour ce coup çi une belle pochette violette. Le retour de Ben Goldberg sur Tzadik pour son "speech communication" (voir section radical jewish) a été une bonne aubaine pour Zorn de revoir le clarinettiste, et donc de lui proposer une petite session studio bouquin des anges. Rendez vous pris pour deux jours en novembre 2009 avec quelques potes du boss de Tzadik, et "Baal" est en deux sets dans la boite. Le trio d'accompagnement aurait pu tenir la baraque à lui tout seul : Greg Cohen à la basse (un vrai "true" masada, il connait le truc), Jamie Saft au piano (déja responsable de l'ouverture de la série), et Kenny Wollesen à la batterie (Zorn l'a beaucoup convié au vibraphone avec The dreamers, ça reste un putain de batteur interim de Joey Baron et qui jouait déja avec le New Klezmer trio). Ce all star band sert d'appui pour Ben Goldberg et sa clarinette, sur une idée de Zorn bien sur. La question bête demeure : "pouvions nous être décus du rendu ?". Beaucoup, tout comme moi, aurait répondu non, et ça ne sera pas le cas, cet opus est excellent. Alors oui, ça lit la partoche, puis ça se laisse improvisé par moment (certains titres sont assez long d'ailleurs), mais c'est toujours interprété avec un raffinement et un feeling ahurissant. Les amateurs de la serie et les Zornologues seront tout acquis à la cause de ce 15eme volume, assurément...

JOHN KING - 10 mysteries

2010-06-08T14:32:00.000-07:00

Second disque du compositeur John King pour le label Tzadik, aprés un "allsteel" sortis 4 ans plus tôt. Superbe artwork pour démarrer, bien meilleur que le précédent. "10 mysteries" officie toujours dans le registre du string quartet, sauf que le fameux quartet en question change carrément de personnel : place à quatre nouveaux musiciens, deux petits jeunes, Mark Feldman à l'un des deux violons, et John King himself à l'alto. Je ne suis pas un grand fan de ce genre de formation, donc la première pièce éponyme n'a pas trop retenu mon attention, c'est du traditionnel dans le genre, faut aimer. En revanche, les deux autres compositions pour strings et électronique dégagent toutes les deux une tension palpable à chaque instant, un véritable sentiment dramatique. John King explique dans les notes du livret son processus de composition, laissant ainsi souvent l'improvisation prendre le dessus par rapport à des éléments éléctroniques établis ou non. En résulte une approche intéréssante pour tous les fervents du genre classique contemporain à dérive expérimentale. A découvrir...

DEREK BAILEY & THE RUINS - Saisoro

2010-06-06T10:43:00.000-07:00

Pour ce genre de disque, il y aura les "pour" et les "contre". Perso, je ne suis pas un grand fan du duo japonais, et encore moins du guitariste anglais, donc c'est vrai que cet opus ne m'a pas provoqué un grand émoi à l'écoute. La réunion des trois hommes eu lieu en 1994, durant 50 minutes de folie sonore. Si les ruins ne sont pas des habitués de l'improvisation à l'état pur, il pouvait compter sur le renfort de papy Bailey pour les guider. La rencontre sonne comme on l'imagine : de la dissonance massive d'un coté, des tonnes de breaks et cassures rythmique de l'autre. Alors disque génial et barré ou cacophonie inaudible ? Un peu des deux je pense. Disons que les quelques passages plus calmes et les onomatopés de Yoshida Tatsuya renforce le coté talentueux du trio au milieu de la grande déglingue noisy. Et voici définitivement une prestation qu'il aurait fallu voir visuellement plutôt qu'en subir les assauts auditivement de manière passive...

DAVID KRAKAUER - Klezmer, NY

2010-06-06T09:42:00.000-07:00

Second disque de David Krakauer pour la radical jewish culture ayant vu le jour en 1998. Trés bel artwork, ça nous rappelle d'ou provient le label au moins, même si ce n'est pas le but revendiqué dans ce cas précis. Krakauer a pioché dans une thématique assez simple : il est fan de Sidney Bechet et de Naftule Brandwein. Or il se trouve que les deux légendaires clarinettistes ont tous les deux habités New York (de 1925 jusqu'à la fin des années 40 à peu prés), et le compositeur a essayé d'imaginer la rencontre des deux hommes, "tout simplement". Une légende du jazz face à un monstre sacré de la musique Klezmer, la rencontre aurait été étonnante, et Krakauer nous donne une embryon de réponse sur son eventuel rendu musical. Beaucoup plus expérimental que "Klezmer madness", on notera la forte présence de la guitare éléctrique, ainsi que d'Oren Bloedow à la basse qui groove. Sans être un mélange de jazz et de klezmer, la vision du clarinettiste est difficile à décrire, mais se laisse écouter avec beaucoup de plaisir. "Klezmer NY" nous prouve aussi facilement que David Krakauer est un musicien incroyablement doué, sa prestation sur ce disque est remarquable...

ROBERTO RODRIGUEZ / IRVING FIELDS - Oy vey !!!...olé !!!

2010-06-05T11:01:00.000-07:00

Né le 4 août 1915 dans le lower east side, Irving Fields est le pur produit New Yorkais par excellence, et un des musiciens juifs de la première génération, pianiste émérite exercant depuis les années 40. Précurseur, il aura fusionner différents styles avec les rythmes latins de son origine cubaine, donnant la naissance à la fameuse serie des "....and bongos". Aujourd'hui, à plus de 90 ans, il continue à se produire plusieurs soirs par semaine au Nino's tuscany, un restaurant italien de Manhattan...

John Zorn et Roberto Rodriguez l'ont contacté afin de monter ce projet aventureux, destiné a faire rencontrer les racines de la musique juive et la nouvelle génération de la downtown scene. En résulte ce fantastique "oy vey...", dansant, chaud et enjoué à souhait. On retrouve quelques compositions du pianiste et certains morceaux du percusionniste, issus notamment de ces deux précédents efforts sur Tzadik. L'ensemble est evidemment ré-interprété avec tout un groupe d'accompagnement, même si le piano de Fields et les percussions de Rodriguez sont mise en avant ce qui est logique. Superbe chapitre une nouvelle fois, l'oeuvre de Roberto Rodriguez est vraiment l'un des must-have de la serie radical jewish culture à mes yeux...

JESSICA PAVONE - Songs of synastry and solitude

2010-06-03T10:10:00.000-07:00

Jeune résidente de Brooklyn, Jessica Pavone est, en plus d'être mignonne, une artiste talentueuse de la nouvelle génération new yorkaise. Musicienne accomplie dans les instruments à corde d'influence "classique" à savoir le violon, violoncelle ou alto, les initiés ont pu l'apercevoir dans pas mal de disques d'Anthony Braxton, ou à collaborer avec quelques artistes de NY (Jeremiah Cymerman, Matthew Welch, etc...).
Fraichement signé sur Tzadik dans la série "Oracles" (dédié à la reconnaissance des femmes dans la scène expérimentale), voici un premier disque fort agréable. "Songs of synastry and solitude" officie dans le registre du string quartet, même si Jessica Pavone fait office de pure compositrice, pusiqu'elle ne joue pas une note sur son disque, malgrés la présence de ses instruments de prédilection. 11 titres brillants qui tape plus dans l'émotionel que dans la technique pure. Ca ne respire pas la gaieté de coeur parfois, mais ça en fait la beauté de l'objet. C'est même un des meilleurs volumes de la série pour tout avouer (même si je suis loin de tous les avoir écouter...). Artwork excellent, idée basique mais j'aime beaucoup...

THE HUB - Boundary layer

2010-05-27T13:42:00.000-07:00

Le blog est resté plutôt inactif ces derniers temps car j'ai écouté pas mal de rock et d'autres trucs variés. Quand mon quart d'heure expérimental reprend le dessus, je me replonge dans Tzadik (eh eh).
Définition de la musique : "La musique est l'art consistant à arranger et à ordonner sons et silences au cours du temps : le rythme est le support de cette combinaison dans le temps, la hauteur, celle de la combinaison dans les fréquences, etc. Dans certains cas, l'intrusion de l'aléatoire a cependant dénié tout caractère volontaire à la composition.". C'est le concept du groupe à 100 % si on y réfléchit bien, répondant ainsi à toute personne se demandant "est ce de la musique ?".
Avec The Hub, je n'ai pas été déçus pour le coté "barré". Pour faire court, le sextet est l'un des premiers groupes de musique électronique en réseau à vocation "live". Ca se passe au début des années 80, les six lascards décide de joindre leurs forces pour assommer son auditoire à coups de musique électronique improvisée et noisy. On voit d'ailleurs la génése du projet via un livret bien garnies de textes, documents, photos et schémas variés. Triple album (le premier de la composer serie si je ne m'abuse) remplis ras la gueule de toute la discographie, Tzadik nous gâte de ce point de vue.
Pour être franc, j'ai vraiment du mal à m'enquiller les trois disques d'affilée. Je ne suis pas dans l'ensemble fan de laptop et d'improvisation pure et dure, donc ce ne sera pas mon oeuvre préféré du label. Mais remis dans le contexte de l'époque, The hub se sont avérés de vrais précurseurs, c'est indéniable. Une oeuvre hors du commun avec une vision innovante et purement expérimentale, voila qui devrait cependant plaire aux amateurs du label dans l'ensemble...

BEN GOLDBERG - Speech communication

2010-05-13T07:17:00.000-07:00

Aprés plusieurs années sans n'avoir rien sortis sur le label New Yorkais, voici le retour en fanfare de Ben Goldberg sur Tzadik, à la grande joie de tous le monde. A l'instar de Naftule Brandwein pour les old school, et de Ned Rothenberg ou David Krakauer pour ses pairs contemporains, Goldberg est un des clarinettistes les plus talentueux en activité aujourd'hui au sein de la nouvelle scène juive si chère à Zorn. L'homme s'était illustré sur la radical jewish culture au sein du New klezmer trio, pour trois disques remarquables dans le genre. Tzadik reste flou et mentionne brièvement une nouvelle incarnation du trio sur la tranche noir, mais c'est bel et bien sous son patronyme solo que sort cet opus, car d'une part Ben Goldberg a entièrement tout composé seul (ce qui était aussi le cas auparavant cependant), et d'autre part Dan Seamans a laissé sa place au reconnu Greg Cohen à la basse, tandis que c'est toujours Kenny Wollesen qui assure la batterie. Franchement, je suis pas mécontent du nouveau line-up : ça a de la gueule sur le papier, et "Speech communication" nous le prouve facilement par la suite. Enormément de feeling et de télépathie émane des 10 morceaux présents. On sent que les répétitions n'ont pas du être nombreuses, et l'improvisation plane sur beaucoup de passages. Mais le talent des trois hommes suffira à rendre l'oeuvre plus que bénéfique. Cohen nous sort des lignes de basse improbables (son toucher incroyable en font un maître avec son instrument), Wollesen est relativement en retenue, dans le plus pur feeling jazzy. Les deux musiciens contrebalancent avec Goldberg et sa clarinette, qui du coup apporte la touche klezmer indispensable à la Radical jewish culture. "Speech communication", disque excellent dans sa catégorie et vraiment recommandé, on a hâte de découvrir "Baal" du coup...

STEVEN BERNSTEIN - Diaspora Hollywood

2010-05-10T13:19:00.000-07:00

L'un des musiciens phare de la Radical jewish, ici avec son 3eme chapitre datant de 2004. Je veux bien croire que le trompettiste est l'un des meilleurs vendeurs de la section, car honnêtement, ses oeuvres sont quand même un peu au dessus du lot (sur certains Tzadik plus typé jazz "lambda"). Aprés nous avoir prouvé tout son amour pour le r'n'b de la Nouvelle Orléans ("diaspora soul") et son affection pour le free jazz ("diaspora blues").
Le compositeur s'est inspiré des historiques de compositeurs europèens ou juifs de NY qui avaient tous comme point commun de migrer vers Hollywood dans les années 50, ville promu nouvel eldorado culturel, et dont la renommée n'est jamais redescendu d'ailleurs pour le 7eme art. Bernstein reprend donc aussi pleinement son concept de Diaspora qu'il affectionne tant, le titre du disque etant ensuite dans une continuité logique. Nouveau quintet mis sur pied, avec cette fois l'ajout d'un vibraphone en plus des traditionels basse, batterie, saxo et trompette. Les 11 titres présent ici sont fortement imprégné du jazz west coast, et les influences juives se ressentent peu. On est plutôt balancé dans l'univers feutré des années 50, costards, cadillacs et caméras old school à l'appui. On navigue d'ailleurs souvent dans une atmosphère quasi cinématographique, un véritable bonheur à écouter allonger. De loin le disque le plus reposant et fantasque de Steven Bernstein, dont l'incursion en Californie aura été un vrai délice pour nos oreilles...

ORI DAKARI - Entrances

2010-05-04T12:39:00.000-07:00

Né en Israël et récent immigrant à New York, il n'en fallait pas plus pour ce jeune guitariste d'être signé sur la Radical Jewish culture qui n'en finit plus d'être un vivier incroyable d'inspiration pour toute une religion dissiminé à travers le monde (on saluera d'ailleurs l'exposition sur cette section du label faites par le musée d'art et d'histoire du judaïsme à Paris, que je vais visiter prochainement...).
Ori Dakari nous offre une interprétation impeccable de 8 titres de jazz souple et reposant. Hormis le dernier titre avec le compositeur seul au piano, "entrances" s'agrémente autour d'un quintet solide et brillant : guitare, basse, batterie, piano et saxophone. Le compositeur n'a pas voulu forcément attirer la lumière sur lui, et la guitare est souvent plus proche de l'accompagnement que du lead. Chaque instruments y va parfois de son solo, et l'ensemble sonne résolument inspiré. Le saxophoniste n'est autre que Uri Gurvich, qui a sortis son premier disque sur Tzadik quelques mois aprés, grâce à son pote Ori qui l'a rencardé à Zorn : ce détail a son importance, car le saxophone est régulièrement mis en avant, preuve indéniable d'une amitié et d'une confiance entre les deux compositeurs. Je n'irai pas oser la comparaison entre "entrances" et "the storyteller", mais ces deux opus sont deux bonnes pierres à l'édifice pour Tzadik, qui accueille à bras ouvert la nouvelle génération de musiciens juifs talentueux pour notre plus grand plaisir...

NOAH CRESHEVSKY - The twilight of the gods

2010-05-02T07:04:00.000-07:00

Directeur d'un centre musical basé sur l'électronique, professeur au Brooklyn college, à l'image de l'art work du disque, Noah Creshevsky est un type qui en a dans la caboche. Son approche ressemble à celle de Luc Ferrari, Scott Johnson ou Mark de gli Antoni que vous avez pu croiser sur ce blog : les éléments electro-acoustiques, les charcutages des bandes magnétiques et le dépiotage de la musique sous toutes ces formes. Aprés quelques disques sortis en indé, et un premier sortis sur Tzadik deux ans plus tôt, retour du compositeur avec ce "Twilight of the gods" à l'artwork arty vachement bien foutu je trouve. Le premier titre démarre en trombe, "götterdämmerung" nous envois dans un univers cartoon jazzy vraiment excellent, et on se dit qu'on va taper dans l'innovation par rapport à "To know...". Ce n'est absolument pas le cas, puisqu'on retombe trés vite dans le même univers sonore, musique "hyperrealist" electro-acoustique, avec des samples de voix de partout, des montages instrumentaux incongrus, des collages sonores abstrait mais resolument contemporain. Les 11 minutes de "I wonder who's kissing her now" sont absolument démentielle : beaucoup d'instruments s'entrecroisent dans une atmosphère proche du string quartet, ce qui nous envois presque dans un conte Disney dans le scénar' aurait mal tourné. Creshevsky parvient à nous séduire à nouveau avec un disque résolument expérimental et difficile à dompter, mais qui permet la découverte d'une nouvelle vision et de nouvelles sonorités...

JEWLIA EISENBERG - Trilectic

2010-04-11T08:37:00.000-07:00

John Zorn a du demander à Jewlia Eisenberg de participer à Mycale (book of angels 13) car c'est vraiment une sacré performeuse dans le registre vocal. Cette première monture de Charming hostess (parcourir la serie radical jewish pour plus d'info) était sortis sous le patronyme de la chanteuse. Je n'aime pas les disques officiant dans un registre vocal sortis sur Tzadik, muna zul et mycale en tête. Jewlia Eisenberg est celle qui s'en sort le mieux je trouve dans ce registre, et l'ensemble n'est pas trop dégueulasse. Mais j'ai préféré "sarajevo blues" à ce "trilectic", car plus riche et recherché. Mon constat va être d'une idiotie relative (puisque il s'agit d'un concept album vocal), mais bordel, ce qui manque au truc, c'est des instruments en fait ! "Trilectic" m'a vraiment fatigué sur la longueur en fait. Une écoute tous les deux ans suffira...

PAUL SHAPIRO - Essen

2010-04-11T08:14:00.000-07:00

Le disque de Paul Shapiro cru 2008, qui est devenu un tzadik regular depuis quelques années déjà et qui sort régulièrement de nouveaux opus sur le label New Yorkais. Léger changement de cap cette fois par rapport aux deux prédécésseurs : le line up change sensiblement, puisque on note l'absence de la section cuivre habituelle (Bernstein à la trompette, Apfelbaum au second saxo), laissant Shapiro seul au saxophone avec les trois musiciens restant. Ajout d'un chanteur et d'une chanteuse, et exit le jazz/blues juif d'antant Aprés une exploration du genre et des recherches littéraires, le compositeur s'est désormais tournée vers le Bebop et le swing, avec un profond ancrage dans la culture Yiddish. Comme vous vous en doutez, l'ensemble sonne donc diablement plus rythmé, et dés le titre "Essen" en ouverture, c'est la fête dans la synagogue. A noter que sur ce titre précis, on notera l'apparition de trois guests et pas des moindres puisque Steven Bernstein, Frank London, et Doug Wieselman viennent pousser la chansonette et souffler dans du cuivre. Excellente oeuvre profondément retro qu'est "Essen", nous faisant découvrir une autre époque avec sincérité et dévouement aux racines Yiddish.

JOHN ZORN - Ipos book of angels 14

2010-04-09T11:34:00.000-07:00

En premier lieu, l’artwork de ce skeud’ est sublime : un digipack de toute beauté avec étoile gravé sur le front et tout…la grande classe ! Ensuite, Après la série sur radical jewish culture qui voyais à l’honneur des disques hommage pour les 10 ans de Masada, voici une nouvelle série d’album hommage ou des groupes reprennent des standards du groupe de Zorn à leurs sauces, puisant dans le repertoire des 300 chansons écrites par Zorn en 2004 ("book of angels") mais que Masada ne garda pas.

Suite de "Mycale" et du book of angels era 2010, avec "Ipos" interprété par le sextet qu'on appelle communément "The dreamers" désormais, suite au disque du même nom. J'en attendais beaucoup, j'ai été un poil déçus, je l'annonce d'entrée de jeu. L'amorce Easy listening éxécuté par John Zorn avec "the gift" reste pour moi un monument de son oeuvre. "The dreamers" était inférieur à mon goût, mais "O'o" avait superbement redonner le coup d'éclat de cette veine easy listening exploré par Ribot and co. Ce 4eme volume est assurément excellent (l'un des meilleurs book of angels) mais l'émotion et la beauté des compositions n'a pas l'impact que j'aurais imaginé. Marc Ribot est beaucoup plus mis en avant, l'ensemble sonne nettement plus rythmé, avec un coté surf music assez prononcé. C'est un avantage indéniable pour le live ou j'imagine déja le combo improviser et s'éclater, mais ça ne permet pas de s'évader comme les oeuvres précédentes. C'était la vision du compositeur New Yorkais, on la respecte pleinement ceci dit. Au final, un chapitre marquant de cette série, qui tournera encore un moment dans ma platine malgrés mes petites remontrances dont tous le monde se fout (et comme je vous comprend...)

ANTHONY COLEMAN - The abysmal richness of the infinite proximity of the same

2010-04-04T10:51:00.000-07:00

Sympathique pochette mystérieuse (à Budapest en 1920 pour l'info) pour ce troisième opus des Selfhaters, une formation tournante à l'initiative d'Anthony Coleman. Au départ, la formation m'avait pleinemant emballé sur le papier : Coleman au piano, un violoniste, Doug Wieselman à la clarinette, Michael Attias au sax et Jim Pugliese aux percus. Au final, une semi déception. La pièce éponyme principale de 22 minutes est insupportable. Mélange (trés) abstrait de classique, de jazz et Klezmer, on peine à rentrer dedans, ça n'a pas vraiment de sens, tout semble improvisé sans aucune cohésion et au détriment d'une quelconque émotion. Ca démarre trés mal donc. Puis les deux autres morceaux remonte le niveau : "His masquarade" avec Coleman en solo au piano est une pièce mystérieuse à souhait, et "57 something" garde les mêmes musiciens, mais cette fois çi, une réèlle tension s'installe, on est pas loin de l'aliénation parfois comme l'indique la tranche Tzadik. C'est difficilement descriptible, mais ce disque a le mérite d'innover et de retrancher l'auditeur dans une sphère captivante et inquiétante en même temps. Hormis les origines des interprètes, il est difficile de percevoir une quelconque légitimité juive dans ce disque. Dommage que le premier titre soit plus que moyen, Coleman nous prouvant ensuite son talent de compositeur visionnaire...